JOHN COLTRANE

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Mensaje por David Z. Mar 17 Nov 2020 - 1:23

@Starsailor escribió:Ya puestos, me cago en las reediciones de Impulse  en Cd de sus discos desde hace ya varios años. Un mísero digipack sin ningún libreto ni texto más que la reproducción impresa de la contraportada original del disco a un tamaño ridículo.
Con lo bien que están las reediciones en Cd de los 90, con libreto y temas extras...


Coño, no sabía esto. Yo todas las que tengo vienen con libreto, me cagaría en todo si no fuera así, de qué valen si no.

En fin.
Curiosamente Interstellar es la única que viene sin texto (igual tengo una de esas que dices), el libreto solo trae algunas bellas fotos.

Salud,
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Mensaje por David Z. Mar 17 Nov 2020 - 1:26

En fin, vamos con el infame, el imposible, el insoportable, el galáctico, el interestelar ladrillo inmisericorde sobre Interstellar Space, en dos partes. Que las pongo juntas solo por joder aún más. Va muy improvisado, eh, escrito a vuelapluma y sin mucha preparación en dos patadas, así que disculpadme errores y repeticiones.


Parte I - Vaguedades

Bueno, que conste que digo lo de que tengo todos sus discos y que es mi músico favorito o uno de los tres o cinco (no soy bueno en 'ránkings', no me interesan, es solo una forma de hablar), no por dármelas de nada ni que mi opinión valga una mierda más por ello, sino para dar a entender que si pongo algún 'pero' es dentro de un nivel excelso, delicioso y siempre altamente disfrutable, quiero decir que cuando digo Kulu se Mama u Om no son obras maestras a la altura de sus más grandes, yo igualmente me las pongo y me lo paso de maravilla, lo hago a menudo. Serían nueves o así en lugar de onces. Normalmente les digo a mis amigos que el Coltrane 60-67 es la cima musical de la humanidad, así que quiero que entendáis que cuando pongo ‘peros’ son más bien ‘peritos’.

El caso de "To Be" es raro, hay gente que no lo considera nada serio, una 'cancioncilla'. Pero eso pasa con muchas obras de Coltrane, son muy polarizadoras, hay siempre flipaos de algunas en quienes otros fans no ven nada. Por ejemplo pasa con Om. Incluso con Ascension. Pasa con toda la etapa Impulse! Coltrane se hace super-famoso de repente (para lo que es el músico jazz estándar, vaya, esto es, diez veces menos famoso que el rockero, estrella del pop o reggaetonero medio) pero muchos fans se van bajando del barco al ver que el puto barco va directo contra los icebergs sin ningún perdón, pudor, miramiento ni duda. Va alienando a sus fans con todos los discos post-A Love Supreme. La música es un resultado de un cambio vital: tal vez ya enfermo, pero más mentalmente espiritual y 'sano' que nunca, devoto de la música hindú, del LSD, de la filosofía, la mística y la música más elevada.

Poco antes de grabar Interstellar Space, el verano del 66 creo que es, viaja a Japón. Es como el gran triunfo de su vida. Al bajar del avión John, Alice y el resto (Pharoah, Garrison y Ali) ven que hay una muchedumbre ahí en el aeropuerto esperando a alguien. John le pregunta a Alice si habrá algún personaje famoso en el avión, tal vez un actor famoso, un político, algo... Y al irse acercando se dan cuenta de que los carteles de bienvenida son para él. En "casa" nunca le han tributado honores así. El año de Crescent y A Love Supreme fue considerado saxofonista del año, varios premios y honores, pero siempre en un mundillo pequeño como el del jazz y desde entonces, ya parece tan atrás y son apenas dos años, ha ido alienando a más y más fans con sus "locuras", hasta sus fieles McCoy y Elvin se han cansado y se han ido.

No hay mal que por bien no venga: Ali, Sanders y sobre todo Alice explotan bajo su ala protectora —es importante este 'potencial' que Coltrane sabe ver en músicos por los que nadie da mucho o gente joven y desconocida, a Alice es él quien le anima a aprender a tocar el arpa, a Sanders lo odia todo el que lo escucha en ese momento, etc— y se convierten en músicos de primer orden. Los glissandos de Alice al piano, esos arpegios como de arpa, tan etéreos, le vienen de maravilla a este último Coltrane.

Para mí tiene, dejando A Love Supreme y Giant Steps al margen, que son discos intocables, perfectos y básicos para la vida y para cualquier discoteca, un nivel siempre sobresaliente y un buen puñado de canciones o momentos totalmente trascendentes, que son la banda sonora de mi vida y que me rasgo la camisa de emoción cuando las oigo, no me cansan nunca, siempre me rompen, me emocionan. Diría que en tres vertientes:

- Hay seis canciones que me obsesionan y las tengo muy unidas en mi cabeza, son todas parte de la misma exploración, llegan en los mismos años y con la misma intención de digamos liberarse de esquemas musicales antiguos y occidentales y abrazar una música universal: sus versiones de Afro-Blue, My Favorite Things y Greensleeves, y sus composiciones Africa, India y Olé (dichas así las tres juntas sería un gran título: "África, India y Olé"). Todas empiezan igual, con un ritmo hipnótico, obstinado, de bajo y platillos, en el que van entrando los instrumentos a modo casi dron creando una intensidad deliciosa. En 3-4 varias (algo 'folclórico' o 'primitivo' de alguna manera), con instrumentación distinta, música muy vanguardista e intensa como pocas cosas en la vida. Si llega a sacar un disco con todas esas juntas podría haber colapsado el espacio-tiempo. En los años 60 está interesadísimo en Stravinsky y hay arreglos en Africa que a mí me suenan totalmente a eso, a pura vanguardia. El dron de India en la versión con laúd árabe (bueno, en todas), la flauta de Dolphy en Olé, los dos bajos y los metales barítonos (tuba, trompa, saxo barítono), todo son parte, para mí, del mismo concepto: una especie de ritmo-dron hipnótico y extático. Es esa cualidad del ritmo precisamente de Stravinsky, precisamente hace poco leía a Schonberg (su exquisito "Vidas de los grandes compositores") decir que la cualidad de Stravinsky que atrapó al mundo en el Pájaro de fuego o La consagración de la primavera era el ritmo, la excitación por el ritmo, algo generalmente poco importante en el ambiente clásico en comparación a la harmonía o a la melodía. Por algo también Mingus es gran fan de Stravinsky.

- Aparte de eso, nuestro tipo es un baladista supremo, creador de las melodías más deliciosas cuando le apetece. "Blue Train", "Naima", "Alabama", "Dearly Beloved", "Equinox", "Crescent", "Venus", son todas algo espectacular, de echarte a llorar. Ese saxofón tiene dentro todo el blues, toda la tristeza y toda la lírica posibles.

- Y para terminar, puede ponerse a jugar en el terreno de la vanguardia más 'loca' y ruidista y dejar atrás a prácticamente cualquiera, son esas cosas que aprende un poco de John Gilmore, un poco de Albert Ayler, que la adición de Pharoah también le proporciona: el ruido y el caos más bello e intenso, como en Ascension, The Father, the Son and the Holy Ghost, Leo, cosas así. Dicen en las notas de Ascension una cita del saxofonista Marion Brown, que tocó con él: "este disco lo podrías usar para calentar tu piso en los días fríos de invierno". Eso es lo que pasa con esta música, es puro fuego, desprende una intensidad apabullante, tienes que controlar los bafles no vayan a salir ardiendo.

Todo esto para liarme y no hablar de Interstellar. Pero lo estoy oyendo en bucle otra vez mientras digo tontadas.

En realidad es sencillo: Coltrane siempre se había movido en grupos pequeños (cuarteto, todo lo más un quinteto cuando mete a Dolphy primero, como en "Olé"; y a Alice y el Faraón, pocas veces algo más grande: Ascension y Africa/Brass, poco más. Y resulta que cuando de repente se queda solo con un batería que ni siquiera es un batería al uso todo encaja, todo fluye de manera natural, se abre un nuevo mundo de posibilidades. Son canciones que pueden ir a cualquier parte, son como monstruos, como gigantes girando o respirando. Es su obra maestra final, la que apunta nuevos caminos.

Este disco lo graba el 22 de febrero de 1967. Es su penúltima sesión en vida (en otra el creo que 7 de marzo grabará alguna de las canciones de Expression). Ya debía de estar sufriendo muchos de los dolores que se lo llevarían en breve. Y parece sentir una urgencia vital única, renovada. Él pensaba que ya había dicho lo que tenía que decir, que sus mejores discos quedaban atrás, que su carrera de constante exploración ya se había agotado. Y de repente llama a Rashied Ali —el batería cuya entrada al grupo le había costado a Coltrane perder a su fiel Elvin Jones, el grandísimo Elvin Jones, nunca suficientemente loado— y le cita para el estudio ese 22 de febrero.

Ali se queja de que Coltrane no le da tiempo para prepararse, no le explica nada, y de que si le hubiera dado algo de preparación, un ensayo, algo, podría haberlo hecho mejor.
Pero Coltrane sabía lo que quería, me parece. La espontaneidad desatada y natural de Ali, sin ningún plan. Solamente girar como giran los planetas que dan título a las canciones.

El LP original trae "Mars", "Venus", "Jupiter" y "Saturn". Son cuatro maravillas, especialmente Venus y Saturno son algo de otro mundo para mí, música de un visionario, alguien que está oyendo algo que los mortales no oímos, la música de las esferas. El puro caos del que sale la armonía, la falta de plan de la que sale el orden. Cambios constantes de tonalidad, ritmo, los expertos usan palabros como politonalidad y polirritmo, multifonía, ‘overtones’, los legos lo vemos como un saxofón enloquecido que va donde le da la gana de manera totalmente libre, que no sabes bien qué cojones está pasando pero necesitas más, te lleva, te ahoga. Sin duda hay una fuerza gravitatoria que parece devorar el espacio alrededor.

Otro de sus biógrafos compara la búsqueda que culmina en este disco con las de Einstein, que busca una 'teoría unificadora' al cosmos, y James Joyce, que busca un 'lenguaje universal subconsciente'. En efecto Coltrane, a quien a menudo se llama pionero de la World Music por hacer eso, una música universal ya no centrada en ninguna cultura concreta sino tomando elementos de todas, busca un lenguaje más allá de todo lo conocido. Y en este disco es como si el espíritu santo descendiera con su lengua de fuego y lo pusiera a hablar en idiomas ignotos.

La riqueza lírica de "Venus" es algo incomparable. El ataque energético de "Marte" o "Saturno", es que quema eso.

La exploración es increíble. Porter, uno de sus biógrafos, le dedica 12 páginas al disco en las que transcribe el solo de "Venus" (vaya, la canción en sí) y explica los múltiples cambios de tonalidad, ritmo, etcétera, etcétera.

Ali es perfecto para esto, para la libertad total que busca Coltrane. Ali no toca 'ritmo'. No marca un ritmo fijo, él si eso toca cosas y ya tú te apañas a averiguar el 'tempo'. Digamos que pone un campo de sonidos, irregular, como con un árbol aquí y un arroyo allá, y eso da libertad absoluta a Coltrane para dirigir la música como él quiere, para irse por donde le apetece, explorar lo que quiera, perderse y volver, sabiendo que ese campo está ahí, que aporta sustento, energía.

Es que todo esto se dice pronto. Es lo típico que te dicen 'joder, suena a caos total'. Ponte tú a tocar ahí, sin plan, con un batería, un saxofón, y saca ese caos. Ánimo.

Por eso este disco está cerca de la música absoluta, la música total. No dicta nada, todo está ahí en el aire, es como un baile cósmico sin explicación, sin moraleja, sin "diseño inteligente", pura naturaleza, casi la evolución hecha sonido, especies-frases que surgen y se desarrollan y dan descendencia y se ramifican o quedan abortadas y extintas. No te puedes agarrar a acordes, otros instrumentos, no hay piano que te ate a un ritmo o tono, no hay nada más que un espíritu volando totalmente libre por encima de un constante caos rítmico como una especie de marea imparable, como explosiones de energía detrás.

Y eso, queridos, como ya sabéis, es oro puro.

Perdonadme, ha sido un tocho muy improvisado y sin prepararme bien, pero me ha salido así por ahora.


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Parte II - Tonterías

El disco es en realidad una especie de suite en cuatro partes, por lo que la adición en el CD de las otras dos canciones grabadas en la sesión, "Leo" y la "Variación de Júpiter", cortan un poco el rollo de la progresión. No sé por qué decidieron meterlas así cortando todo en medio, tal vez por orden de grabación, pero es un gran error. Son dos canciones estupendas de por sí —"Leo" ya era conocida por los directos de Japón, donde hay una versión de no recuerdo si una hora o así— pero deberían aparecer al final.

Sin plan, Ali llegó al estudio para lo que imaginaba una sesión normal y vio que no había nadie allí. ¿No viene nadie? Coltrane dijo: “No, solo tú y yo”. ¿Y qué vamos a tocar? ¿Es rápido? ¿Es lento? “Como tú quieras. Venga. Voy a hacer sonar estas campanillas y puedes hacer una intro de 8 compases”. Y grabaron el disco en una sola toma.

Marte, Venus y Júpiter empiezan las tres con campanillas, entra la batería y el saxofón, termina el saxo, queda la batería y vuelven las campanillas, como especie de plegarias, de oraciones abiertas y cerradas por ese sonido religioso, espiritual.

En el disco, “Mars” trae un subtítulo:  “campo de batalla de los gigantes cósmicos”, Venus “amor”, Júpiter “sabiduría suprema” y Saturno “alegría”, creo que los títulos indican algo sobre las características de cada canción, por algo Mars es caótica, explosiva, mientras Venus es calmada, y en efecto Saturno es la alegría desatada de algunas partes de A Love Supreme.
El título original de Venus en la sesión era “Dream Chant”, “Cántico Onírico” si quieres, una belleza de nombre que refleja el contenido.

Lo único estúpido del disco, por cierto, es el título. Que es bellísimo, y adecuado a la música, pero no pega con los títulos de las canciones. Estaban ahí intentando capitalizar el éxito comercial de Sun Ra (es un sarcasmo, ejem) con título ‘interplanetario’ pero el espacio interestelar es el que hay entre estrellas, no entre planetas. “Solar Space” yo creo que habría sido más adecuado, o “Solar Systems” o algo así.

Y la portada, ahora que lo digo, tampoco es para tirar cohetes, la verdad, prácticamente cualquier otra portada de Coltrane es mejor. Pon su careto ahí bien molón como siempre y déjate de soles y nubes, hostia.

Saturn, en ese saxofón puedes oír perfectamente al Coltrane de A Love Supreme, con una batería y un acompañamiento ‘normal’ podría haber sido una de esas canciones clásicas de principios de los 60, demostrando que, por mucha exploración que haya, su estilo y su lirismo no se han perdido. Allá por el minuto cuatro empieza con esos cambios de registro tan característicos y tan alucinantes.


Algunas cositas de internet, de críticos y tal, traducidas, por rellenar espacio que me queda cojo esto si no, demasiado breve:

El disco se grabó solo una semana después de las sesiones de Stellar Regions y dos antes de la sesión que traería “Ogunde” y “Number One”, publicadas en Expression, que es el disco que contiene pues sus absolutamente últimas grabaciones. Hay solapes entre Stellar e Interstellar, por ejemplo “Mars” parte de la melodía de “Iris”, “Venus” tiene la misma melodía del tema título “Stellar Regions”, y hay similitudes musicales generales, como es lógico.

No se editó hasta siete años después, septiembre de 1974, en Impulse!, claro. Algunas reseñas de entonces, Stephen Davis en Rolling Stone: “simplemente asombroso”, reseñando cómo Ali resulta el complemento ideal de Coltrane: “Devuelve estrafalariamente el torrente imparable de energía que mana de Coltrane, y el resultado es un vulcanismo de dos hombres en el que Ali provee los rugidos subterráneos mientras el tenor explota en olas de notas”. Robert Christgau: “suena irritante hasta que te concentras en ello, en ese momento las interacciones toman forma y sentido, con alusiones metafóricas que poco tienen que ver con las ideas musicales exploradas”, lo que interpreto como que las ideas musicales crean o insinúan otras músicas, otros sonidos y otras posibilidades más allá de lo que suena.


Derek Taylor en All About Jazz lo llama una de sus grabaciones esenciales: “En Ali encontró un batería aún más dispuesto [que Elvin Jones] a abandonar las fronteras terrestres del ritmo y dirigirse al espacio desconocido. En estos duetos el saxofonista está en su aspecto más visceral, exudando una confianza abrumadora, templada a veces con ternura sacra. Los patrones entrelazados pan-rítmicos de Ali envuelven y abrazan mientras empujan la música hacia adelante”.

Ben Rattlif: "Coltrane dirige la música, empezando y terminando en un lugar de paz, aunque la música alcance estados frenéticos entremedias. No es “show business”, ni siquiera “show business hippy”. Es un disco casi monástico. Cada pieza empieza y termina con campanillas tocadas por Coltrane. Las piezas engloban un rango de expresión que va desde las frases duras y fragmentarias a escalas descendientes que fluyen de manera tan rápida y articulada que dan la sensación de que el suelo se abre a tus pies. Esto le lleva de vuelta a 1958, cuando empezó a interesarse por el arpa, sus ‘sábanas de sonido’ ahora incluso mejoradas”.

Eric Nisenson dice que el título del disco es “perfectamente adecuado, pues Coltrane está aquí libre de improvisar sin la gravedad del bajo o el piano. Los nombres de las piezas reflejan el interés de Coltrane en la astrología, que valoraba como un sistema complejo para relacionar el cosmos a las acciones humanas”. Yo intercedo aquí y diría que, como Sun Ra, no se trata de astrología al uso, sino de usar los mitos para crear nuevas relaciones y digamos como metáforas, no literalmente “La música encarna una idea que había sacado de su estudio de Einstein y la física moderna: que el universo se expande constantemnte. La melodía y el ritmo, libres de las restricciones de la armonía y el tempo, crean un espectáculo de luces para la mente, puedes ver estrellas explotando, cometas disparados por la inmensidad del espacio, el incesante movimiento expansivo de toda estrella y planeta…” Están, dice, en la tradición de obras de Coltrane como “Countdown” o “Vigil”, pero ahora con más libertad dados los ritmos de Ali… El toque “denso y frenético” de Coltrane tiene el efecto de “bañar al oyente en sonido puro”. Parece “liberado de toda la teoría musical occidental estándar” y descubriendo “que no necesitaba gritar para continuar su búsqueda”. “Búsqueda” es, claro, la palabra más asociada al incansable Coltrane, siempre yendo más allá, a por algo nuevo y desconocido.

De nuevo Lewis Porter: “la avalancha de sonido presentada en las últimas obras de Coltrane puede, desafortunadamente, esconder al oyente el poder majestuoso de su forma de tocar. Lo que parece caótico es justamente lo opuesto. Coltrane se las apaña para crear largos solos que fluyen sin fricciones del tema a la improvisación, justo lo que siempre había querido, y las improvisaciones están siempre dedicadas a la exploración sin piedad de ideas y motivos abstractos”. También dice que es “un lugar ideal para empezar a entender al último Coltrane, es tan fácil escuchar lo que está haciendo… Cada pieza empieza con un tema, se escapa de él y vuelve a él al final. Todas las piezas engloban un cierto tipo de ir subiendo a un clímax seguido por una calma que lleva a una recapitulación”. Las técnicas que usa para ello: “escalas que descienden vertiginosamente y se repiten una y otra vez” en un intento de crear “un efecto orquestal, dando al oyente la impresión de que las notas de arriba son la melodía y las escalas el acompañamiento”, segundo, “cambios rápidos y extremos de registro” que dan idea de “dos líneas de acción al mismo tiempo”, tercero “inversiones, dando la vuelta a los motivos de arriba a abajo, creando variaciones de un motivo cambiando su forma, subiendo en lugar de bajar, usando el mismo ritmo o el mismo número de notas de modos diferentes”… Cuando Coltrane se mueve a flujos de notas más largos y rápidos, más abstrusos y menos claramente articulados, de repente vemos “patrones que emergen” y nos damos cuenta de que “lo que, a primera escucha, parecería una proliferación de notas al tuntún es en realidad una elaboración de diferentes patrones”.

La discusión de Porter sobre Venus: “Para alguien a quien acusaban de tocar música alta y ruidosa en sus últimos anos, lo que más impresiona es su control increíble de las dinámicas (variaciones de volumen e intensidad), del susurro al aullido… Y Coltrane triunfa precisamente porque abandona los cambios de acordes y la restricción del ritmo constante, creando una construcción musical sin fisuras ni costuras, no divisible en ‘choruses’”, en digamos ‘frases’, un chorus es como en el blues el 12-bar, es decir, el patrón que se repite.

Tony Whyton: “claramente demuestra la gloria absoluta del estilo último de Coltrane” y “la eliminación de estructuras identificables y un pulso estable o sentido claro del tiempo abre la música y elimina las ayudas fáciles de orientación al oyente. En este sentido, aunque el sonido de Coltrane es parte de un continuum, el contexto ha cambiado dramáticamente hasta el punto de que ahora la música se experimenta claramente más como una sensación inmediata. Esto lleva a que discos como este se reciban más como procesos musicales que como productos, nos animan a escuchar en el aquí y ahora más que a asimilar lo que ocurrió antes y predecir lo que vendrá después”. Cabe destacar que esta es la clave del arte y la vanguardia de todo el siglo XX: el paso de representación a acción, en pintura un Pollock por ejemplo, no es el producto sino el proceso, el cuadro no ‘cuenta’ ni ‘narra’ sino que ‘actúa’, no eres espectador de un resultado sino ‘víctima’ o receptor de un proceso vivo ante ti. “Experimentar una grabación como un tipo de música como proceso va contra el imperativo canónico de ‘codificar’ la música, la música de Coltrane no nos trae un significado unívoco ni un conjunto de valores, sino que funciona como agente de cuestionamiento y apertura del discurso sobre lo que debería ser la música. En el mundo de Coltrane de esta época, el estudio se convierte en lugar de investigación y descubrimiento, y los duetos con Ali traen un claro sentido de experimentación y juego entre artistas creativos… Hay un claro sentimiento de que la notación musical por sí sola no puede capturar la intensidad, energía y sonido que se escuchan en el disco… Como experiencia sonora, Interstellar Space tiene una cualidad sensual uy rica que explica la fascinación de Coltrane con el sonido. Más que ninguna otra de sus grabaciones tardías, atrapa al oyente con sus sonidos sensuales y muestra el camino por el que las grabaciones pueden abrirnos las orejas a diferentes experiencias auditivas”.

Hay incluso quien dice que es “el álbum más tenaz e inaccesible” de Coltrane, y quien dice que es “su disco más influyente”, incluso quien ve una influencia en este disco para gente como Kendrick Lamar (ignoro si es real o no).

Conecto mucho con esa explicación de que si no pones atención es simplemente irritante. Con estas obras de Coltrane pasa eso: hay días que te las pones y crees que estás ante la octava maravilla del mundo, que la vida tiene sentido, que esta es la cima del mundo. Hay otros días que te las pones y te resultan insoportables, no entiendes nada, te aturrullan, tienes que quitarlo y preguntarte qué has hecho mal en la vida para castigarte así. Dice mucho de la pasión e intensidad del disco cuando esto pasa, no es ‘easy listening’, no te lo pones y hala, de fondo, es energía pura y como tal depende de tu momento vital y de tu estado emocional el que conectes o no.

En fin, mucha palabrería para lo que se resume fácil: un disco absolutamente único e incomparable en la historia de la música. Difícil, intenso, orgásmico y extático. Qué camino delicioso se abría aquí, y qué pena que este disco quede solamente como esa puerta al futuro.

Salud y campanillas,
z


Última edición por David Z. el Mar 17 Nov 2020 - 8:38, editado 4 veces
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Mensaje por David Z. Mar 17 Nov 2020 - 1:33

@Bandini escribió:
@David Z. escribió:
@Bandini escribió:
@David Z. escribió:Dos maravillas. En pocas semanas tenéis el Crescent en el hilo de los 1001 discos propuesto por servidor. Ahí me explayaré un poco hablando de esa obra magna.

Y el Journey de Alice, en unas pocas semanas más (bueno, hasta que lleguemos a la jota, igual unos pocos meses o años).

Crescent: The Drum Thing me ultrafascina.

Sun Ship es póstumo ya. Pero grabado en el 65, solo un año después de Crescent. Lo que graba entre el 61 y el 67 es increíble. Qué cantidad de locuras. Creo que llevo años recomendando "Dearly Beloved" en este y otros hilos como una de las cosas más bellas que se pueden escuchar.



Salud,
z

No me suelo pasar mucho por ese hilo, pero estaré atento porque me interesa leer lo que escribas sobre ese disco. Siempre he disfrutado mucho de tus aportaciones sobre Jonathan Richman, Charlie Parker, The Stooges, o la familia Carter, por ejemplo.
Lástima que el buscador sólo me permite acceder a tus mensajes desde el 24 de Octubre. Me interesaría leer más hilos en los que hayas participado.

Vaya, gracias. Sí, el buscador del foro y el sistema de archivo son lo peor. A menudo me vuelvo loco si quiero recuperar algo que ya escribí, más que nada para no tener que repetirme, y tengo que tirar de google o simplemente olvidarlo.


¿Eres el mismo Bandini de antes, o uno nuevo?

Salud,
z

El mismo, Arturo Bandini. Tenía una cuenta olvidada de 2009 asociada a un correo electrónico antiguo y le pregunté a Blas cómo podría eliminarlo, pero él borró de un plumazo el usuario desde el que escribí. Se disculpó muy amablemente, eso sí.

Por cierto, tus apasionadas aportaciones sobre Jorge Ben y algunos otros artistas de los que sólo conocía el nombre me hicieron interesarme mucho más en su música. Voy aprendiendo poco a poco y disfrutando mucho, ante todo.  
De Jorge Ben he escuchado ya una buena cantidad de discos y no tardé mucho en reconocer su inmensa calidad. Tábua de Esmeralda, el homónimo y África brasil, por ejemplo, son maravillosos. Tres de los discos que más he escuchado en los últimos meses, coincidiendo además con mi torpe aprendizaje del portugués.
Y de más cerca, si tuvieses que quedarte con tus favoritos del flamenco, ¿qué me dirías? A Bernarda y Fernanda prometo escucharlas. No conozco mucho. No sabría diferenciar una soleá de una seguiriya. El Cabrero es un cantaor del que heredé varias cintas de mi abuelo y siempre me han gustado mucho.


Alegría leerte de nuevo, entonces.
Qué bonito pensar que llevo aquí años diciendo tontadas y sintiendo que hablo con las paredes acolchadas, y de repente alguien parece que oye algo de lo que digo Very Happy Very Happy
El Ben del 69 entiendo que dices. Ese portadón. Obra algo irregular para mí en su conjunto, pero claro, tiene Pais Tropical y Take It Easy, que se dice pronto, dos himnos totales, dos de sus canciones más famosas. Y otras maravillas como Bebete Vãovora, Charles Anjo 45, Que pena... Discazo, es que en esa época, vaya, desde que aparece hasta mediados de los 70, es un dios.

Te recomiendo 3 al margen de los que citas, como sus otras 3 obras magnas: el primero, Samba Esquema Novo, que es una absoluta maravilla; el Solta O Pavao que es el inmediatamente posterior (creo, tal vez anterior) a Tabua, y el descomunal Força Bruta, justo el posterior al homónimo del 69 y también con el Trio Mocotó acompañándole.
Para mí, si tuviera que decir dos obras maestras suyas por encima del resto, serían Tabua y Esquema. Identifican a la perfección los dos estilos de Ben, las dos etapas.

Lo de flamenco me lleva más tiempo, dame un rato y luego te digo. Fernanda y Bernarda imprescindibles, sin ninguna duda, pero lo del Cabrero me da pie a otras cosas, luego con tiempo te respondo.

Salud,
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Mensaje por Starsailor Mar 17 Nov 2020 - 11:45

@David Z. escribió:Perdonadme, ha sido un tocho muy improvisado y sin prepararme bien, pero me ha salido así por ahora.

Pues como el propio disco, ¿no? Laughing Laughing ...a mí me ha encantao cheers

Lo de las campanillas...es un sonido hipnótico, y una cosa maravillosa empezar cada tema así. Es como un aviso de que vas a entrar en la dimensión desconocida o de que vas a abandonar el planeta por unos minutos.

Ni sé, ni tampoco soy mucho de tecnicismos en estos casos. Quiero decir que la estructura, compases o transición de acordes no es algo que entienda, pero supongo que son necesarios para que luego alguien como yo "sienta" o asimile todo esto y por lo tanto le afecte. Que es lo que me pasa y por lo que me gusta leer todas estas cosas. Siendo un disco difícil, y del que es imposible saber o comprender todo, me gusta leer sobre lo que siente otra gente frente a él. Y mejor que siga guardando gran parte de su misterio, que es algo que le sigue haciendo tan atractivo, aunque luego...

@David Z. escribió:Conecto mucho con esa explicación de que si no pones atención es simplemente irritante. Con estas obras de Coltrane pasa eso: hay días que te las pones y crees que estás ante la octava maravilla del mundo, que la vida tiene sentido, que esta es la cima del mundo. Hay otros días que te las pones y te resultan insoportables, no entiendes nada, te aturrullan, tienes que quitarlo y preguntarte qué has hecho mal en la vida para castigarte así. Dice mucho de la pasión e intensidad del disco cuando esto pasa, no es ‘easy listening’, no te lo pones y hala, de fondo, es energía pura y como tal depende de tu momento vital y de tu estado emocional el que conectes o no.

Esto me ha hecho gracia, porque en ocasiones que me lo he puesto haciendo cosas por casa he acabado con dolor de cabeza, irritado y hasta con malestar físico de dolor de barriga. Me ponía nervioso. Otras veces lo escucho del tirón, quieto, sin hacer nada más, y todo fluye.
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Mensaje por Bandini Miér 18 Nov 2020 - 21:56

Muy bonito el mensaje David. Un placer leerte. Yo, dentro de lo posible, trato de mantenerme atento a las recomendaciones que pueda ir atrapando por el foro. En el hilo de cine, por ejemplo, he descubierto muy buenas películas.
Por otra parte, tú muestras tus pasiones musicales con tal gracia y excitación que es difícil resistirse.
De los que citas, creo que empezaré por el Samba Esquema Novo, que además es el primero y no debería esperar más.

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Mensaje por Axlferrari Vie 20 Nov 2020 - 14:32

Muy buenos apuntes, David, la última fase free jazz de Coltrane fascina por la energía y la tensión que superan los límites, en sintonía con el bullicio social que atravesaba EE.UU.

Coltrane estuvo reinventando su arte en permanencia, dejando atrás las reglas establecidas para inventar nuevas gramáticas para nuevas musicalidades apoyándose en un método muy poderoso : "Parto de un punto y voy lo más lejos posible".

Un artista mayúsculo.

Saludos David.
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https://www.editions-ivrea.fr/fr/2-catalogue.html

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Mensaje por Dumbie Lun 25 Ene 2021 - 11:48

Programación de la radio esta semana:


topic de los 1001 discos:

Martes 26 a las 5 y media: The Felleies - Crazy Rhythms
Miercoles 27 a las 5 y media: John Coltrane - Crescent
Jueves 28 a las 5 y media: Prefab Sprout - Crimson Red

Y en cualquier momento pinchada libre!

https://www.beatsense.com/radioAzkenaRock
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JOHN COLTRANE - Página 5 Empty Re: JOHN COLTRANE

Mensaje por Thorogood Lun 25 Ene 2021 - 13:29

Muy bien David!!!!!! Gracias por reseñar un disco tan difícil (aunque a mí me encanta). Yo también tengo todo Coltrane y he leído 6 biografías, pero sólo en una se comenta que de 1965 a 1967 era consumidor habitual de LSD, y que, por ejemplo, cuando grabaron "OM" iban todos puestos de la sustancia, y John odiaba el disco y no lo quería editar. O sea que habría que analizar toda la época post-crescent (mi álbum favorito) a la .luz de ese consumo. Empecé con Coltrane allá por 1996, y lo tengo "quemado", ya apenas lo escucho. Y además su sombra ha acabado siendo demasiado alargada. Ahora por fin parece que hay muchos saxofonistas libres de su impronta.

En estos momentos escucho mucho más a Anthony Braxton, Chris Potter, David Murray, Branford Marsalis, Joshua Redman, Joe Lovano, Charles Lloyd.....Y tengo dormidita mi colección de Trane.

De ser un "Tranehead" he pasado a pensar que está sobrevalorado. Le rodea demasiado rollo místico y espiritual, tiene una iglesia, sus biografías son más bien hagiografías, lo que no pasa con Miles, por ejemplo. Es difícil ya escucharlo con objetividad cuando lo han convertido en un santón y hasta han jugado con sus iniciales: John Coltrane = Jesus Christ

Nada, que enhorabuena pero necesitaba desmitificar un poco.
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Mensaje por modes garcia Lun 25 Ene 2021 - 15:08

@David Z. escribió:En fin, vamos con el infame, el imposible, el insoportable, el galáctico, el interestelar ladrillo inmisericorde sobre Interstellar Space, en dos partes. Que las pongo juntas solo por joder aún más. Va muy improvisado, eh, escrito a vuelapluma y sin mucha preparación en dos patadas, así que disculpadme errores y repeticiones.


Parte I - Vaguedades

Bueno, que conste que digo lo de que tengo todos sus discos y que es mi músico favorito o uno de los tres o cinco (no soy bueno en 'ránkings', no me interesan, es solo una forma de hablar), no por dármelas de nada ni que mi opinión valga una mierda más por ello, sino para dar a entender que si pongo algún 'pero' es dentro de un nivel excelso, delicioso y siempre altamente disfrutable, quiero decir que cuando digo Kulu se Mama u Om no son obras maestras a la altura de sus más grandes, yo igualmente me las pongo y me lo paso de maravilla, lo hago a menudo. Serían nueves o así en lugar de onces. Normalmente les digo a mis amigos que el Coltrane 60-67 es la cima musical de la humanidad, así que quiero que entendáis que cuando pongo ‘peros’ son más bien ‘peritos’.

El caso de "To Be" es raro, hay gente que no lo considera nada serio, una 'cancioncilla'. Pero eso pasa con muchas obras de Coltrane, son muy polarizadoras, hay siempre flipaos de algunas en quienes otros fans no ven nada. Por ejemplo pasa con Om. Incluso con Ascension. Pasa con toda la etapa Impulse! Coltrane se hace super-famoso de repente (para lo que es el músico jazz estándar, vaya, esto es, diez veces menos famoso que el rockero, estrella del pop o reggaetonero medio) pero muchos fans se van bajando del barco al ver que el puto barco va directo contra los icebergs sin ningún perdón, pudor, miramiento ni duda. Va alienando a sus fans con todos los discos post-A Love Supreme. La música es un resultado de un cambio vital: tal vez ya enfermo, pero más mentalmente espiritual y 'sano' que nunca, devoto de la música hindú, del LSD, de la filosofía, la mística y la música más elevada.

Poco antes de grabar Interstellar Space, el verano del 66 creo que es, viaja a Japón. Es como el gran triunfo de su vida. Al bajar del avión John, Alice y el resto (Pharoah, Garrison y Ali) ven que hay una muchedumbre ahí en el aeropuerto esperando a alguien. John le pregunta a Alice si habrá algún personaje famoso en el avión, tal vez un actor famoso, un político, algo... Y al irse acercando se dan cuenta de que los carteles de bienvenida son para él. En "casa" nunca le han tributado honores así. El año de Crescent y A Love Supreme fue considerado saxofonista del año, varios premios y honores, pero siempre en un mundillo pequeño como el del jazz y desde entonces, ya parece tan atrás y son apenas dos años, ha ido alienando a más y más fans con sus "locuras", hasta sus fieles McCoy y Elvin se han cansado y se han ido.

No hay mal que por bien no venga: Ali, Sanders y sobre todo Alice explotan bajo su ala protectora —es importante este 'potencial' que Coltrane sabe ver en músicos por los que nadie da mucho o gente joven y desconocida, a Alice es él quien le anima a aprender a tocar el arpa, a Sanders lo odia todo el que lo escucha en ese momento, etc— y se convierten en músicos de primer orden. Los glissandos de Alice al piano, esos arpegios como de arpa, tan etéreos, le vienen de maravilla a este último Coltrane.

Para mí tiene, dejando A Love Supreme y Giant Steps al margen, que son discos intocables, perfectos y básicos para la vida y para cualquier discoteca, un nivel siempre sobresaliente y un buen puñado de canciones o momentos totalmente trascendentes, que son la banda sonora de mi vida y que me rasgo la camisa de emoción cuando las oigo, no me cansan nunca, siempre me rompen, me emocionan. Diría que en tres vertientes:

- Hay seis canciones que me obsesionan y las tengo muy unidas en mi cabeza, son todas parte de la misma exploración, llegan en los mismos años y con la misma intención de digamos liberarse de esquemas musicales antiguos y occidentales y abrazar una música universal: sus versiones de Afro-Blue, My Favorite Things y Greensleeves, y sus composiciones Africa, India y Olé (dichas así las tres juntas sería un gran título: "África, India y Olé"). Todas empiezan igual, con un ritmo hipnótico, obstinado, de bajo y platillos, en el que van entrando los instrumentos a modo casi dron creando una intensidad deliciosa. En 3-4 varias (algo 'folclórico' o 'primitivo' de alguna manera), con instrumentación distinta, música muy vanguardista e intensa como pocas cosas en la vida. Si llega a sacar un disco con todas esas juntas podría haber colapsado el espacio-tiempo. En los años 60 está interesadísimo en Stravinsky y hay arreglos en Africa que a mí me suenan totalmente a eso, a pura vanguardia. El dron de India en la versión con laúd árabe (bueno, en todas), la flauta de Dolphy en Olé, los dos bajos y los metales barítonos (tuba, trompa, saxo barítono), todo son parte, para mí, del mismo concepto: una especie de ritmo-dron hipnótico y extático. Es esa cualidad del ritmo precisamente de Stravinsky, precisamente hace poco leía a Schonberg (su exquisito "Vidas de los grandes compositores") decir que la cualidad de Stravinsky que atrapó al mundo en el Pájaro de fuego o La consagración de la primavera era el ritmo, la excitación por el ritmo, algo generalmente poco importante en el ambiente clásico en comparación a la harmonía o a la melodía. Por algo también Mingus es gran fan de Stravinsky.

- Aparte de eso, nuestro tipo es un baladista supremo, creador de las melodías más deliciosas cuando le apetece. "Blue Train", "Naima", "Alabama", "Dearly Beloved", "Equinox", "Crescent", "Venus", son todas algo espectacular, de echarte a llorar. Ese saxofón tiene dentro todo el blues, toda la tristeza y toda la lírica posibles.

- Y para terminar, puede ponerse a jugar en el terreno de la vanguardia más 'loca' y ruidista y dejar atrás a prácticamente cualquiera, son esas cosas que aprende un poco de John Gilmore, un poco de Albert Ayler, que la adición de Pharoah también le proporciona: el ruido y el caos más bello e intenso, como en Ascension, The Father, the Son and the Holy Ghost, Leo, cosas así. Dicen en las notas de Ascension una cita del saxofonista Marion Brown, que tocó con él: "este disco lo podrías usar para calentar tu piso en los días fríos de invierno". Eso es lo que pasa con esta música, es puro fuego, desprende una intensidad apabullante, tienes que controlar los bafles no vayan a salir ardiendo.

Todo esto para liarme y no hablar de Interstellar. Pero lo estoy oyendo en bucle otra vez mientras digo tontadas.

En realidad es sencillo: Coltrane siempre se había movido en grupos pequeños (cuarteto, todo lo más un quinteto cuando mete a Dolphy primero, como en "Olé"; y a Alice y el Faraón, pocas veces algo más grande: Ascension y Africa/Brass, poco más. Y resulta que cuando de repente se queda solo con un batería que ni siquiera es un batería al uso todo encaja, todo fluye de manera natural, se abre un nuevo mundo de posibilidades. Son canciones que pueden ir a cualquier parte, son como monstruos, como gigantes girando o respirando. Es su obra maestra final, la que apunta nuevos caminos.

Este disco lo graba el 22 de febrero de 1967. Es su penúltima sesión en vida (en otra el creo que 7 de marzo grabará alguna de las canciones de Expression). Ya debía de estar sufriendo muchos de los dolores que se lo llevarían en breve. Y parece sentir una urgencia vital única, renovada. Él pensaba que ya había dicho lo que tenía que decir, que sus mejores discos quedaban atrás, que su carrera de constante exploración ya se había agotado. Y de repente llama a Rashied Ali —el batería cuya entrada al grupo le había costado a Coltrane perder a su fiel Elvin Jones, el grandísimo Elvin Jones, nunca suficientemente loado— y le cita para el estudio ese 22 de febrero.

Ali se queja de que Coltrane no le da tiempo para prepararse, no le explica nada, y de que si le hubiera dado algo de preparación, un ensayo, algo, podría haberlo hecho mejor.
Pero Coltrane sabía lo que quería, me parece. La espontaneidad desatada y natural de Ali, sin ningún plan. Solamente girar como giran los planetas que dan título a las canciones.

El LP original trae "Mars", "Venus", "Jupiter" y "Saturn". Son cuatro maravillas, especialmente Venus y Saturno son algo de otro mundo para mí, música de un visionario, alguien que está oyendo algo que los mortales no oímos, la música de las esferas. El puro caos del que sale la armonía, la falta de plan de la que sale el orden. Cambios constantes de tonalidad, ritmo, los expertos usan palabros como politonalidad y polirritmo, multifonía, ‘overtones’, los legos lo vemos como un saxofón enloquecido que va donde le da la gana de manera totalmente libre, que no sabes bien qué cojones está pasando pero necesitas más, te lleva, te ahoga. Sin duda hay una fuerza gravitatoria que parece devorar el espacio alrededor.

Otro de sus biógrafos compara la búsqueda que culmina en este disco con las de Einstein, que busca una 'teoría unificadora' al cosmos, y James Joyce, que busca un 'lenguaje universal subconsciente'. En efecto Coltrane, a quien a menudo se llama pionero de la World Music por hacer eso, una música universal ya no centrada en ninguna cultura concreta sino tomando elementos de todas, busca un lenguaje más allá de todo lo conocido. Y en este disco es como si el espíritu santo descendiera con su lengua de fuego y lo pusiera a hablar en idiomas ignotos.

La riqueza lírica de "Venus" es algo incomparable. El ataque energético de "Marte" o "Saturno", es que quema eso.

La exploración es increíble. Porter, uno de sus biógrafos, le dedica 12 páginas al disco en las que transcribe el solo de "Venus" (vaya, la canción en sí) y explica los múltiples cambios de tonalidad, ritmo, etcétera, etcétera.

Ali es perfecto para esto, para la libertad total que busca Coltrane. Ali no toca 'ritmo'. No marca un ritmo fijo, él si eso toca cosas y ya tú te apañas a averiguar el 'tempo'. Digamos que pone un campo de sonidos, irregular, como con un árbol aquí y un arroyo allá, y eso da libertad absoluta a Coltrane para dirigir la música como él quiere, para irse por donde le apetece, explorar lo que quiera, perderse y volver, sabiendo que ese campo está ahí, que aporta sustento, energía.

Es que todo esto se dice pronto. Es lo típico que te dicen 'joder, suena a caos total'. Ponte tú a tocar ahí, sin plan, con un batería, un saxofón, y saca ese caos. Ánimo.

Por eso este disco está cerca de la música absoluta, la música total. No dicta nada, todo está ahí en el aire, es como un baile cósmico sin explicación, sin moraleja, sin "diseño inteligente", pura naturaleza, casi la evolución hecha sonido, especies-frases que surgen y se desarrollan y dan descendencia y se ramifican o quedan abortadas y extintas. No te puedes agarrar a acordes, otros instrumentos, no hay piano que te ate a un ritmo o tono, no hay nada más que un espíritu volando totalmente libre por encima de un constante caos rítmico como una especie de marea imparable, como explosiones de energía detrás.

Y eso, queridos, como ya sabéis, es oro puro.

Perdonadme, ha sido un tocho muy improvisado y sin prepararme bien, pero me ha salido así por ahora.


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Parte II - Tonterías

El disco es en realidad una especie de suite en cuatro partes, por lo que la adición en el CD de las otras dos canciones grabadas en la sesión, "Leo" y la "Variación de Júpiter", cortan un poco el rollo de la progresión. No sé por qué decidieron meterlas así cortando todo en medio, tal vez por orden de grabación, pero es un gran error. Son dos canciones estupendas de por sí —"Leo" ya era conocida por los directos de Japón, donde hay una versión de no recuerdo si una hora o así— pero deberían aparecer al final.

Sin plan, Ali llegó al estudio para lo que imaginaba una sesión normal y vio que no había nadie allí. ¿No viene nadie? Coltrane dijo: “No, solo tú y yo”. ¿Y qué vamos a tocar? ¿Es rápido? ¿Es lento? “Como tú quieras. Venga. Voy a hacer sonar estas campanillas y puedes hacer una intro de 8 compases”. Y grabaron el disco en una sola toma.

Marte, Venus y Júpiter empiezan las tres con campanillas, entra la batería y el saxofón, termina el saxo, queda la batería y vuelven las campanillas, como especie de plegarias, de oraciones abiertas y cerradas por ese sonido religioso, espiritual.

En el disco, “Mars” trae un subtítulo:  “campo de batalla de los gigantes cósmicos”, Venus “amor”, Júpiter “sabiduría suprema” y Saturno “alegría”, creo que los títulos indican algo sobre las características de cada canción, por algo Mars es caótica, explosiva, mientras Venus es calmada, y en efecto Saturno es la alegría desatada de algunas partes de A Love Supreme.
El título original de Venus en la sesión era “Dream Chant”, “Cántico Onírico” si quieres, una belleza de nombre que refleja el contenido.

Lo único estúpido del disco, por cierto, es el título. Que es bellísimo, y adecuado a la música, pero no pega con los títulos de las canciones. Estaban ahí intentando capitalizar el éxito comercial de Sun Ra (es un sarcasmo, ejem) con título ‘interplanetario’ pero el espacio interestelar es el que hay entre estrellas, no entre planetas. “Solar Space” yo creo que habría sido más adecuado, o “Solar Systems” o algo así.

Y la portada, ahora que lo digo, tampoco es para tirar cohetes, la verdad, prácticamente cualquier otra portada de Coltrane es mejor. Pon su careto ahí bien molón como siempre y déjate de soles y nubes, hostia.

Saturn, en ese saxofón puedes oír perfectamente al Coltrane de A Love Supreme, con una batería y un acompañamiento ‘normal’ podría haber sido una de esas canciones clásicas de principios de los 60, demostrando que, por mucha exploración que haya, su estilo y su lirismo no se han perdido. Allá por el minuto cuatro empieza con esos cambios de registro tan característicos y tan alucinantes.


Algunas cositas de internet, de críticos y tal, traducidas, por rellenar espacio que me queda cojo esto si no, demasiado breve:

El disco se grabó solo una semana después de las sesiones de Stellar Regions y dos antes de la sesión que traería “Ogunde” y “Number One”, publicadas en Expression, que es el disco que contiene pues sus absolutamente últimas grabaciones. Hay solapes entre Stellar e Interstellar, por ejemplo “Mars” parte de la melodía de “Iris”, “Venus” tiene la misma melodía del tema título “Stellar Regions”, y hay similitudes musicales generales, como es lógico.

No se editó hasta siete años después, septiembre de 1974, en Impulse!, claro. Algunas reseñas de entonces, Stephen Davis en Rolling Stone: “simplemente asombroso”, reseñando cómo Ali resulta el complemento ideal de Coltrane: “Devuelve estrafalariamente el torrente imparable de energía que mana de Coltrane, y el resultado es un vulcanismo de dos hombres en el que Ali provee los rugidos subterráneos mientras el tenor explota en olas de notas”. Robert Christgau: “suena irritante hasta que te concentras en ello, en ese momento las interacciones toman forma y sentido, con alusiones metafóricas que poco tienen que ver con las ideas musicales exploradas”, lo que interpreto como que las ideas musicales crean o insinúan otras músicas, otros sonidos y otras posibilidades más allá de lo que suena.


Derek Taylor en All About Jazz lo llama una de sus grabaciones esenciales: “En Ali encontró un batería aún más dispuesto [que Elvin Jones] a abandonar las fronteras terrestres del ritmo y dirigirse al espacio desconocido. En estos duetos el saxofonista está en su aspecto más visceral, exudando una confianza abrumadora, templada a veces con ternura sacra. Los patrones entrelazados pan-rítmicos de Ali envuelven y abrazan mientras empujan la música hacia adelante”.

Ben Rattlif: "Coltrane dirige la música, empezando y terminando en un lugar de paz, aunque la música alcance estados frenéticos entremedias. No es “show business”, ni siquiera “show business hippy”. Es un disco casi monástico. Cada pieza empieza y termina con campanillas tocadas por Coltrane. Las piezas engloban un rango de expresión que va desde las frases duras y fragmentarias a escalas descendientes que fluyen de manera tan rápida y articulada que dan la sensación de que el suelo se abre a tus pies. Esto le lleva de vuelta a 1958, cuando empezó a interesarse por el arpa, sus ‘sábanas de sonido’ ahora incluso mejoradas”.

Eric Nisenson dice que el título del disco es “perfectamente adecuado, pues Coltrane está aquí libre de improvisar sin la gravedad del bajo o el piano. Los nombres de las piezas reflejan el interés de Coltrane en la astrología, que valoraba como un sistema complejo para relacionar el cosmos a las acciones humanas”. Yo intercedo aquí y diría que, como Sun Ra, no se trata de astrología al uso, sino de usar los mitos para crear nuevas relaciones y digamos como metáforas, no literalmente “La música encarna una idea que había sacado de su estudio de Einstein y la física moderna: que el universo se expande constantemnte. La melodía y el ritmo, libres de las restricciones de la armonía y el tempo, crean un espectáculo de luces para la mente, puedes ver estrellas explotando, cometas disparados por la inmensidad del espacio, el incesante movimiento expansivo de toda estrella y planeta…” Están, dice, en la tradición de obras de Coltrane como “Countdown” o “Vigil”, pero ahora con más libertad dados los ritmos de Ali… El toque “denso y frenético” de Coltrane tiene el efecto de “bañar al oyente en sonido puro”. Parece “liberado de toda la teoría musical occidental estándar” y descubriendo “que no necesitaba gritar para continuar su búsqueda”. “Búsqueda” es, claro, la palabra más asociada al incansable Coltrane, siempre yendo más allá, a por algo nuevo y desconocido.

De nuevo Lewis Porter: “la avalancha de sonido presentada en las últimas obras de Coltrane puede, desafortunadamente, esconder al oyente el poder majestuoso de su forma de tocar. Lo que parece caótico es justamente lo opuesto. Coltrane se las apaña para crear largos solos que fluyen sin fricciones del tema a la improvisación, justo lo que siempre había querido, y las improvisaciones están siempre dedicadas a la exploración sin piedad de ideas y motivos abstractos”. También dice que es “un lugar ideal para empezar a entender al último Coltrane, es tan fácil escuchar lo que está haciendo… Cada pieza empieza con un tema, se escapa de él y vuelve a él al final. Todas las piezas engloban un cierto tipo de ir subiendo a un clímax seguido por una calma que lleva a una recapitulación”. Las técnicas que usa para ello: “escalas que descienden vertiginosamente y se repiten una y otra vez” en un intento de crear “un efecto orquestal, dando al oyente la impresión de que las notas de arriba son la melodía y las escalas el acompañamiento”, segundo, “cambios rápidos y extremos de registro” que dan idea de “dos líneas de acción al mismo tiempo”, tercero “inversiones, dando la vuelta a los motivos de arriba a abajo, creando variaciones de un motivo cambiando su forma, subiendo en lugar de bajar, usando el mismo ritmo o el mismo número de notas de modos diferentes”… Cuando Coltrane se mueve a flujos de notas más largos y rápidos, más abstrusos y menos claramente articulados, de repente vemos “patrones que emergen” y nos damos cuenta de que “lo que, a primera escucha, parecería una proliferación de notas al tuntún es en realidad una elaboración de diferentes patrones”.

La discusión de Porter sobre Venus: “Para alguien a quien acusaban de tocar música alta y ruidosa en sus últimos anos, lo que más impresiona es su control increíble de las dinámicas (variaciones de volumen e intensidad), del susurro al aullido… Y Coltrane triunfa precisamente porque abandona los cambios de acordes y la restricción del ritmo constante, creando una construcción musical sin fisuras ni costuras, no divisible en ‘choruses’”, en digamos ‘frases’, un chorus es como en el blues el 12-bar, es decir, el patrón que se repite.

Tony Whyton: “claramente demuestra la gloria absoluta del estilo último de Coltrane” y “la eliminación de estructuras identificables y un pulso estable o sentido claro del tiempo abre la música y elimina las ayudas fáciles de orientación al oyente. En este sentido, aunque el sonido de Coltrane es parte de un continuum, el contexto ha cambiado dramáticamente hasta el punto de que ahora la música se experimenta claramente más como una sensación inmediata. Esto lleva a que discos como este se reciban más como procesos musicales que como productos, nos animan a escuchar en el aquí y ahora más que a asimilar lo que ocurrió antes y predecir lo que vendrá después”. Cabe destacar que esta es la clave del arte y la vanguardia de todo el siglo XX: el paso de representación a acción, en pintura un Pollock por ejemplo, no es el producto sino el proceso, el cuadro no ‘cuenta’ ni ‘narra’ sino que ‘actúa’, no eres espectador de un resultado sino ‘víctima’ o receptor de un proceso vivo ante ti. “Experimentar una grabación como un tipo de música como proceso va contra el imperativo canónico de ‘codificar’ la música, la música de Coltrane no nos trae un significado unívoco ni un conjunto de valores, sino que funciona como agente de cuestionamiento y apertura del discurso sobre lo que debería ser la música. En el mundo de Coltrane de esta época, el estudio se convierte en lugar de investigación y descubrimiento, y los duetos con Ali traen un claro sentido de experimentación y juego entre artistas creativos… Hay un claro sentimiento de que la notación musical por sí sola no puede capturar la intensidad, energía y sonido que se escuchan en el disco… Como experiencia sonora, Interstellar Space tiene una cualidad sensual uy rica que explica la fascinación de Coltrane con el sonido. Más que ninguna otra de sus grabaciones tardías, atrapa al oyente con sus sonidos sensuales y muestra el camino por el que las grabaciones pueden abrirnos las orejas a diferentes experiencias auditivas”.

Hay incluso quien dice que es “el álbum más tenaz e inaccesible” de Coltrane, y quien dice que es “su disco más influyente”, incluso quien ve una influencia en este disco para gente como Kendrick Lamar (ignoro si es real o no).

Conecto mucho con esa explicación de que si no pones atención es simplemente irritante. Con estas obras de Coltrane pasa eso: hay días que te las pones y crees que estás ante la octava maravilla del mundo, que la vida tiene sentido, que esta es la cima del mundo. Hay otros días que te las pones y te resultan insoportables, no entiendes nada, te aturrullan, tienes que quitarlo y preguntarte qué has hecho mal en la vida para castigarte así. Dice mucho de la pasión e intensidad del disco cuando esto pasa, no es ‘easy listening’, no te lo pones y hala, de fondo, es energía pura y como tal depende de tu momento vital y de tu estado emocional el que conectes o no.

En fin, mucha palabrería para lo que se resume fácil: un disco absolutamente único e incomparable en la historia de la música. Difícil, intenso, orgásmico y extático. Qué camino delicioso se abría aquí, y qué pena que este disco quede solamente como esa puerta al futuro.

Salud y campanillas,
z

muchas gracias por la info, hace mucho tiempo que no saco dicho álbum de la estantería, COLTRANE era algo más que un músico.

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Mensaje por Axlferrari Miér 31 Mar 2021 - 2:47



El otro día vi Ida de Pawel Pawlikowski. Hay un momento precioso en la película cuando un grupo interpreta "Naima" por la noche en el restaurante de un hotel.
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