El hilo de la teoría musical

No sé si va a tener algo de interés o continuidad este hilo, pero lo abro para todos aquellos que tengan nociones musicales y estén interesados en expandirlas, compartir ideas, vídeos, etc. Puede servir para analizar por qué algo nos gusta tanto y qué hay detrás, y también para tener una mayor perspectiva en general. A nivel armónico hay razones físicas que explican por qué ciertas notas suenan más disonantes que otras, por qué la octava suena como la misma nota y demás. Desde los tiempos de Pitágoras. Fascinante, si me preguntáis.

Voy a dejar para abrir boca un análisis rapidísimo de Black Hole Sun de un canal de Youtube que sigo:



Cambiando de tercio, acabo de descubrir un concepto rítmico llamado Quintuplet Swing, muy popular en el Neo Soul. Es algo que había captado mi atención recientemente. ¿Por qué suena tan... straight... pero a la vez con swing?

Pues hoy me he puesto a buscar, y he encontrado lo que buscaba.

Para el que no lo sepa, el swing está basado en una subdivisión ternaria, en contraposición a la subdivisión binaria. El 90 y largos por ciento de música tiene un pulso subdividido de forma binaria o ternaria. Un batería suele omitir una de las subdivisiones cuando quiere darle swing, creando un ratio 2:1 al omitir generalmente el segundo golpe de tres (algo con lo que muchos estaremos más que familiarizados por estar expuestos a décadas de influencia). Con el quintuplet swing, el ratio que se crearía es 3:2, dando una sensación muy curiosa, a medio camino entre el rollo straight y el rollo swing. Suena borracho.

Mola aunque sin tener ni idea es difícil seguir el video, me quedo con las tensiones y las resoluciones, disonancias y tal. Hay unas razones de por qué algo suena como suena, lo veo como la cocina, hay una ciencia pero la experiencia es algo distinto.

Juuuuuuuuud!

Me apasiona el tema aunque sólo sé cuatro cosillas de cuando estudiaba piano y no había llutú...

Dejo aquí el primero de una serie de vídeos para todos aquellos que, aunque no sepáis música desde el punto de vista teórico, tengáis curiosidad por el desarrollo desde un punto de vista histórico (y occidental, hasta la Expo Universal de París finales del XIX y el interés por músicas "exóticas" y exploración modal por parte de los impresionistas).



Los vídeos obviamente están pasados por el tamiz de los gustos de su autor, pero mete pinceladas de teoría asimilables y disfrutables para los no iniciados, y mantiene un equilibrio que creo que satisface tanto a músicos como no músicos.

Son de la BBC y todos los vídeos de este tipo valen mucho la pena. Hay vídeos dedicados a Cole Porter, Leonard Bernstein, The Beatles, Armonía, Melodía, Ritmo y Bajo, por ejemplo.

Stoneheart escribió:Juuuuuuuuud!

Me apasiona el tema aunque sólo sé cuatro cosillas de cuando estudiaba piano y no había llutú...

¿Es la del hilo de música clásica?

Le eché un vistazo hace un tiempo y me pareció un hilo espectacular. Encantado, oye. Por lo que vi, tiene formación clásica. Lo mío es una amalgama. Empecé de pequeño haciendo solfeo y piano clásico y lo dejé. De mayor lo retomé y se podría decir que soy "autodidacta" (es una expresión que hay que saber interpretar, porque generalmente se aprende de alguien).

Una curiosidad: suele haber más énfasis en la técnica en clásico, mientras que en jazz hay más énfasis en la teoría. Es contranatura ser pianista de jazz y no saber qué acordes se están tocando, qué función tienen y que escalas pueden ajustarse a ellos, mientras que es habitual ser pianista de clásico y saber muy poco o nada de eso. Realmente son dos mundos. Incluso en la manera de denominar ciertos acordes.

Por cierto: por mi parte, se admiten preguntas del tipo "¿hasta qué punto se parece cierto tema de Spirit a cierto tema de Led Zeppelin?"

Dentro de mis posibilidades, estoy encantado de hablar de este tipo de cosas.

Lalo Mancini escribió:

Stoneheart escribió:Juuuuuuuuud!

Me apasiona el tema aunque sólo sé cuatro cosillas de cuando estudiaba piano y no había llutú...

¿Es la del hilo de música clásica?

Le eché un vistazo hace un tiempo y me pareció un hilo espectacular. Encantado, oye. Por lo que vi, tiene formación clásica. Lo mío es una amalgama. Empecé de pequeño haciendo solfeo y piano clásico y lo dejé. De mayor lo retomé y se podría decir que soy "autodidacta" (es una expresión que hay que saber interpretar, porque generalmente se aprende de alguien).

Una curiosidad: suele haber más énfasis en la técnica en clásico, mientras que en jazz hay más énfasis en la teoría. Es contranatura ser pianista de jazz y no saber qué acordes se están tocando, qué función tienen y que escalas pueden ajustarse a ellos, mientras que es habitual ser pianista de clásico y saber muy poco o nada de eso. Realmente son dos mundos. Incluso en la manera de denominar ciertos acordes.

Muy interesante esa diferencia entre el músico de jazz y el músico de clásica, creo que se corresponde a la diferencia entre creador (o improvisador) e intérprete que ejecuta una partitura. En un caso la cosa se mueve, hay que conocer los mapas y los patrones, en el caso del instrumentista de clásica se sigue un guión estricto.

Lalo Mancini escribió:Por cierto: por mi parte, se admiten preguntas del tipo "¿hasta qué punto se parece cierto tema de Spirit a cierto tema de Led Zeppelin?"

Dentro de mis posibilidades, estoy encantado de hablar de este tipo de cosas.

Gracias mil, a mí me interesa el tema del "groove", copio pego un post que escribí hace la tira... no me decido si el groove está basado en algún ritmo interno del cerebro humano o está basado en la experiencia. El groove tiene que ver con la repetición, la variación y las expectativas de resolución y lo veo muy importante en la música popular.

Kupak escribió:

Spoiler:

Kupak escribió:

Lalo Mancini escribió:

Stoneheart escribió:Juuuuuuuuud!

Me apasiona el tema aunque sólo sé cuatro cosillas de cuando estudiaba piano y no había llutú...

¿Es la del hilo de música clásica?

Le eché un vistazo hace un tiempo y me pareció un hilo espectacular. Encantado, oye. Por lo que vi, tiene formación clásica. Lo mío es una amalgama. Empecé de pequeño haciendo solfeo y piano clásico y lo dejé. De mayor lo retomé y se podría decir que soy "autodidacta" (es una expresión que hay que saber interpretar, porque generalmente se aprende de alguien).

Una curiosidad: suele haber más énfasis en la técnica en clásico, mientras que en jazz hay más énfasis en la teoría. Es contranatura ser pianista de jazz y no saber qué acordes se están tocando, qué función tienen y que escalas pueden ajustarse a ellos, mientras que es habitual ser pianista de clásico y saber muy poco o nada de eso. Realmente son dos mundos. Incluso en la manera de denominar ciertos acordes.

Muy interesante esa diferencia entre el músico de jazz y el músico de clásica, creo que se corresponde a la diferencia entre creador (o improvisador) e intérprete que ejecuta una partitura. En un caso la cosa se mueve, hay que conocer los mapas y los patrones, en el caso del instrumentista de clásica se sigue un guión estricto.

Viene a ser eso. En música clásica hay una línea más definida que separa al compositor del intérprete. Y, aunque no podemos obviar que la riqueza armónica del jazz, aun con su propia evolución, proviene en grandísima medida de la acumulación de conocimiento adquirido en música clásica durante siglos, lo cierto es que en el mundo académico de la música clásica ese aspecto no es tan fundamental como, por ejemplo, el solfeo.

En cambio, en jazz me atrevería a decir que es el aspecto más vertebrador. Serás mejor músico de jazz cuantos más conocimientos tengas de armonía. En clásica, depende de a qué nos refiramos, porque, como digo, está mucho más marcada la dicotomía creador/intérprete.

Kupak escribió:

Lalo Mancini escribió:Por cierto: por mi parte, se admiten preguntas del tipo "¿hasta qué punto se parece cierto tema de Spirit a cierto tema de Led Zeppelin?"

Dentro de mis posibilidades, estoy encantado de hablar de este tipo de cosas.

Gracias mil, a mí me interesa el tema del "groove", copio pego un post que escribí hace la tira... no me decido si el groove está basado en algún ritmo interno del cerebro humano o está basado en la experiencia. El groove tiene que ver con la repetición, la variación y las expectativas de resolución y lo veo muy importante en la música popular.

Kupak escribió:

Spoiler:

Temazo el de The Breeders. Tiene tres o cuatro cosas, sobretodo rítmicas, que lo distinguen entre los himnos del rock indie.

Creo que este vídeo te va a interesar mucho:

Lalo Mancini escribió: Una curiosidad: suele haber más énfasis en la técnica en clásico, mientras que en jazz hay más énfasis en la teoría. Es contranatura ser pianista de jazz y no saber qué acordes se están tocando, qué función tienen y que escalas pueden ajustarse a ellos, mientras que es habitual ser pianista de clásico y saber muy poco o nada de eso. Realmente son dos mundos. Incluso en la manera de denominar ciertos acordes.

Tampoco es asi ya que en el conservatorio se da una fuerte base de armonía y analisis y diría que se adquiere más conocimiento de la funciones tonales que un músico de jazz. La nomenclatura de la armonía moderna puede parecer a priori más compleja que la armonía clásica ya que se procura definir todo mientras que en el clásico se presuponen cosas dando lugar a definiciones más simples.

Hace poco vi un video de Rick Beato (supongo que lo conoceras, es un músico procedente del mundo del jazz) en el que analizaba el tema de Batman y resultaba un analisis bastante tedioso debido a la nomenclatura y una interpretación incorrecta de los acordes porque no identificó el movimiento de subdominante (acorde de sexta napolitana) a dominante. Tambien he visto algunos otros videos suyos donde también complica las cosas al no interpretar acordes simplemente como inversiones de otros acordes

(hablando de definiciones,otra definicion del jazz que me parece inapropiada es por ejemplo la escala mixolidia b9 b13 que básicamente es la frigia dominante. Creo que es una terminología que despista más ya que la propia segunda menor es la nota característica del frígio)

Todo esto lo digo desde mi punto de vista. Yo empecé con la guitarra y me forme como músico de jazz pero luego me pase al piano y recibi formación desde el punto de vista clásico y la verdad es que me di cuenta de que la formación tenía mucha mejor base. En las clases de armonía del jazz así como libros se dan las cosas como un diccionario, a base de definiciones. Luego te ves libros de armonía del mundo académico como el de Walter Piston y vienen mucho más definidos los conceptos.

A veces hablo con colegas músicos y por ejemplo saben aplicar un sustituto tritonal como si fuera una regla matemática y la aplican casi instantáneamente pero luego si les preguntas puede que ni lo entiendan realmente.

LTI priest escribió:

Lalo Mancini escribió: Una curiosidad: suele haber más énfasis en la técnica en clásico, mientras que en jazz hay más énfasis en la teoría. Es contranatura ser pianista de jazz y no saber qué acordes se están tocando, qué función tienen y que escalas pueden ajustarse a ellos, mientras que es habitual ser pianista de clásico y saber muy poco o nada de eso. Realmente son dos mundos. Incluso en la manera de denominar ciertos acordes.

Tampoco es asi ya que en el conservatorio se da una fuerte base de armonía y analisis y diría que se adquiere más conocimiento de la funciones tonales que un músico de jazz. La nomenclatura de la armonía moderna puede parecer a priori más compleja que la armonía clásica ya que se procura definir todo mientras que en el clásico se presuponen cosas dando lugar a definiciones más simples.

Hace poco vi un video de Rick Beato (supongo que lo conoceras, es un músico procedente del mundo del jazz) en el que analizaba el tema de Batman y resultaba un analisis bastante tedioso debido a la nomenclatura y una interpretación incorrecta de los acordes porque no identificó el movimiento de subdominante (acorde de sexta napolitana) a dominante. Tambien he visto algunos otros videos suyos donde también complica las cosas al no interpretar acordes simplemente como inversiones de otros acordes

(hablando de definiciones,otra definicion del jazz que me parece inapropiada es por ejemplo la escala mixolidia b9 b13 que básicamente es la frigia dominante. Creo que es una terminología que despista más ya que la propia segunda menor es la nota característica del frígio)

Todo esto lo digo desde mi punto de vista. Yo empecé con la guitarra y me forme como músico de jazz pero luego me pase al piano y recibi formación desde el punto de vista clásico y la verdad es que me di cuenta de que la formación tenía mucha mejor base. En las clases de armonía del jazz así como libros se dan las cosas como un diccionario, a base de definiciones. Luego te ves libros de armonía del mundo académico como el de Walter Piston y vienen mucho más definidos los conceptos.

A veces hablo con colegas músicos y por ejemplo saben aplicar un sustituto tritonal como si fuera una regla matemática y la aplican casi instantáneamente pero luego si les preguntas puede que ni lo entiendan realmente.

Interesantísimo. Aquí hay nivel.

Lo del conservatorio, dependerá del grado, ¿no? Lo digo porque he conocido a demasiada gente que ha hecho los diez años de instrumento y ni papa de armonía. En jazz, o empiezas por la armonía o lo llevas claro. Otra cosa es que el análisis pueda llegar a ser más profundo desde la perspectiva de la música clásica (aunque ahí sí creo que los dos mundos tienen la posibilidad de solaparse, hablando de teoría pura).

Yo soy de los que habla de mixolydia b9b13 y no de frigio dominante. Un día, hablando con una eminencia, el tío se partía la caja cuando me oyó hablar de mixolydias alteradas.

La sexta napolitana me parece que es muy del ámbito de clásica. ¿Cómo lo analizó Rick Beato? ¿Como una especie de inversión de V7 alterado (¡perdona si mi jerga es demasiado jazzística!). Sí, estoy familiarizado con los vídeos de ese hombre.

Creo que sería bueno intentar hablar en cristiano dentro de lo posible para que este hilo cobre vida. De todos modos, agradezco mucho tu aportación.

Hola, tomo asiento.
Soy totalmente novato en esto, pero lo intento.
Una duda que tengo y que me imagino la respuesta, pero aún así quiero recibir confirmación.
Cambios tonales y sobre todo sustituciones tonales, tipo paralelismos y así. Esto que metes un acorde sacado de otra tonalidad y luego vuelves a la original. ¿Hay algún truco, o recurso manido, para saber qué acorde elegir de la tonalidad paralela?
Y los cambios de tonalidad... lo poco que sé es lo de pillar el ciclo de cuartas o de quintas y pasar a una tonalidad que esté cercana... he visto por ahí que una forma de hacerlo, pasar de una a otra, es usar un acorde común a las dos a modo de transición... pero aún así no me quedó muy claro el asunto.

De todas formas, lo dicho, con que alguien me explique un poco como usar lo del paralelismo eólico al intentar hacer una progresión de acordes, qué acordes de la tonalidad paralela pueden funcionar mejor, ya me llega para empezar. Estaré muy agradecido. Mejor ir poco a poco que empacharme de golpe.

Lalo Mancini escribió: Lo del conservatorio, dependerá del grado, ¿no? Lo digo porque he conocido a demasiada gente que ha hecho los diez años de instrumento y ni papa de armonía. En jazz, o empiezas por la armonía o lo llevas claro. Otra cosa es que el análisis pueda llegar a ser más profundo desde la perspectiva de la música clásica (aunque ahí sí creo que los dos mundos tienen la posibilidad de solaparse, hablando de teoría pura).

Yo soy de los que habla de mixolydia b9b13 y no de frigio dominante. Un día, hablando con una eminencia, el tío se partía la caja cuando me oyó hablar de mixolydias alteradas.

La sexta napolitana me parece que es muy del ámbito de clásica. ¿Cómo lo analizó Rick Beato? ¿Como una especie de inversión de V7 alterado (¡perdona si mi jerga es demasiado jazzística!). Sí, estoy familiarizado con los vídeos de ese hombre.

Creo que sería bueno intentar hablar en cristiano dentro de lo posible para que este hilo cobre vida. De todos modos, agradezco mucho tu aportación.

Pues no se. En el conservatorio se da armonía ya en tercero de profesional que equivale a 7º año y se empieza por conducción de voces (toda la base teórica anterior tipo formación de escalas, cadencias se da antes) luego se va complicando. Obviamente se hace más hincapié en la música tonal que en la música modal eso si. Supongo que será como todo, si no te interesa no lo ejercitas. Es como si a mi me dijeras que te diga algo en francés que no tendría ni papa y eso que di 6 años de francés en el instituto

Rick Beato creo que lo cifraba como grado I con sexta bemol sin inversión ninguna. Es decir, el primer arpegio lo nombraba como un Bm(b6) y la tonalidad Bm. Pero si estas familiarizado te das cuenta de que la tonalidad real es Fa sostenido menor y lo que hace la pieza es una sexta napolitana que resuelve en la dominante C#M.

Como apunte añadiré que la sexta napolitana en ningún caso se puede cifrar como acorde dominante ya que no tiene tritono. Su función es de subdominante (es un sustituto del IV) y resuelve en la dominante.

Perry go round escribió:Hola, tomo asiento.
Soy totalmente novato en esto, pero lo intento.
Una duda que tengo y que me imagino la respuesta, pero aún así quiero recibir confirmación.
Cambios tonales y sobre todo sustituciones tonales, tipo paralelismos y así. Esto que metes un acorde sacado de otra tonalidad y luego vuelves a la original. ¿Hay algún truco, o recurso manido, para saber qué acorde elegir de la tonalidad paralela?
Y los cambios de tonalidad... lo poco que sé es lo de pillar el ciclo de cuartas o de quintas y pasar a una tonalidad que esté cercana... he visto por ahí que una forma de hacerlo, pasar de una a otra, es usar un acorde común a las dos a modo de transición... pero aún así no me quedó muy claro el asunto.

De todas formas, lo dicho, con que alguien me explique un poco como usar lo del paralelismo eólico al intentar hacer una progresión de acordes, qué acordes de la tonalidad paralela pueden funcionar mejor, ya me llega para empezar. Estaré muy agradecido. Mejor ir poco a poco que empacharme de golpe.

La manera más común de realizar un intercambio modal es tomar un acorde del modo paralelo. (si estas en sol mayor tomar un acorde del modo de sol menor). No hay truco, la cuestión es utilizarlos según su función por ejemplo puedes utilizar un acorde prestado como subdominante lo que te da más color. Lo normal es que sean efectos puntuales y que la tonalidad este bien establecida (a través de una cadencia perfecta).

Para modular pues esto es un mundo. Las modulaciones más sencillas son a las tonalidades vecinas por ejemplo de do mayor a sol mayor. En realidad se puede modular de muchas formas. Una forma es reinterpretando acordes de la tonalidad en la que estas como un acorde de otra tonalidad y haces una progresión desde ahí. Lo que debes tener claro es que para cambiar de tonalidad debes asentar la tonalidad con una cadencia perfecta (V7-I).

Vamos con esto de la reinterpretación puedes incluso viajar entre tonalidades sin quedarte en ninguna (con cierta inestabilidad) pero que suena bien.Por ejemplo partes de una cadencia muy tipica en el jazz como es la II-V-I si cojes y reinterpretas el V como un acorde II de otra tonalidad puedes hacer II-V-II(de la nueva tonalidad)-V-I. No se si me explico bien la verdad es que no tengo madera de profesor

LTI priest escribió:

Lalo Mancini escribió: Lo del conservatorio, dependerá del grado, ¿no? Lo digo porque he conocido a demasiada gente que ha hecho los diez años de instrumento y ni papa de armonía. En jazz, o empiezas por la armonía o lo llevas claro. Otra cosa es que el análisis pueda llegar a ser más profundo desde la perspectiva de la música clásica (aunque ahí sí creo que los dos mundos tienen la posibilidad de solaparse, hablando de teoría pura).

Yo soy de los que habla de mixolydia b9b13 y no de frigio dominante. Un día, hablando con una eminencia, el tío se partía la caja cuando me oyó hablar de mixolydias alteradas.

La sexta napolitana me parece que es muy del ámbito de clásica. ¿Cómo lo analizó Rick Beato? ¿Como una especie de inversión de V7 alterado (¡perdona si mi jerga es demasiado jazzística!). Sí, estoy familiarizado con los vídeos de ese hombre.

Creo que sería bueno intentar hablar en cristiano dentro de lo posible para que este hilo cobre vida. De todos modos, agradezco mucho tu aportación.

Pues no se. En el conservatorio se da armonía ya en tercero de profesional que equivale a 7º año y se empieza por conducción de voces (toda la base teórica anterior tipo formación de escalas, cadencias se da antes) luego se va complicando.  Obviamente se hace más hincapié en la música tonal que en la música modal eso si. Supongo que será como todo, si no te interesa no lo ejercitas. Es como si a mi me dijeras que te diga algo en francés que no tendría ni papa y eso que di 6 años de francés en el instituto  

Rick Beato creo que lo cifraba como grado I con sexta bemol sin inversión ninguna. Es decir, el primer arpegio lo nombraba como un Bm(b6) y la tonalidad Bm. Pero si estas familiarizado te das cuenta de que la tonalidad real es Fa sostenido menor y lo que hace la pieza es una sexta napolitana que resuelve en la dominante C#M.

Como apunte añadiré que la sexta napolitana en ningún caso se puede cifrar como acorde dominante ya que no tiene tritono.  Su función es de subdominante (es un sustituto del IV) y resuelve en la dominante.

Ya lo miraré. Batman, ¿eh? No entiendo muy bien qué pinta un Bm(b6) como I en ese contexto, a no ser que haya otros acordes diatónicos de esa tonalidad o al menos venga precedido de un dominante. Hombre, yo al lado de Rick Beato me considero un aprendiz, pero esa lectura de la función armónica de ese acorde me parece un tanto extraña. Ahora tengo curiosidad por ver el contexto.

Sobre los dominantes y los tritonos, de donde yo vengo no es así. Al menos en jazz hay algo llamado dominante 9sus4, por poner un ejemplo (que supongo que te debe sonar un poco a eso de mixolydia b9b13), donde no hay tritono. Tiene una función análoga a la del dominante y en jazz se le llama dominante aunque se trate de una terminología laxa.

Perry go round escribió:Hola, tomo asiento.
Soy totalmente novato en esto, pero lo intento.
Una duda que tengo y que me imagino la respuesta, pero aún así quiero recibir confirmación.
Cambios tonales y sobre todo sustituciones tonales, tipo paralelismos y así. Esto que metes un acorde sacado de otra tonalidad y luego vuelves a la original. ¿Hay algún truco, o recurso manido, para saber qué acorde elegir de la tonalidad paralela?
Y los cambios de tonalidad... lo poco que sé es lo de pillar el ciclo de cuartas o de quintas y pasar a una tonalidad que esté cercana... he visto por ahí que una forma de hacerlo, pasar de una a otra, es usar un acorde común a las dos a modo de transición... pero aún así no me quedó muy claro el asunto.

De todas formas, lo dicho, con que alguien me explique un poco como usar lo del paralelismo eólico al intentar hacer una progresión de acordes, qué acordes de la tonalidad paralela pueden funcionar mejor, ya me llega para empezar. Estaré muy agradecido. Mejor ir poco a poco que empacharme de golpe.

Fundamentos teóricos para modular:



Es más o menos lo que decía LTI priest. El canal de este señor es teoría pura. Está muy bien.

El intercambio modal es una maravilla.

En rock en general no se estila demasiado lo de modular (aunque los Beatles lo hacían con cierta frecuencia), pero el intercambio modal es un punto, digamos, intermedio, y es más frecuente. Permite unas sonoridades que suenan "sofisticadas" sin necesidad de cambiar de tonalidad.

Lo más común es coger cualquier acorde de la tonalidad paralela menor si estás en mayor y viceversa. Añade unos cuantos acordes a la paleta.

LTI priest escribió:Vamos con esto de la reinterpretación puedes incluso viajar entre tonalidades sin quedarte en ninguna (con cierta inestabilidad) pero que suena bien.Por ejemplo partes de una cadencia muy tipica en el jazz como es la II-V-I  si cojes y reinterpretas el V como un acorde II de otra tonalidad puedes hacer II-V-II(de la nueva tonalidad)-V-I. No se si me explico bien la verdad es que no tengo madera de profesor

¿No querrás decir reinterpretar el I como un acorde II, y no el V? Sí, eso es muy común. También es muy común en jazz "tonicizar" acordes diatónicos como el IV mediante un II-V.

Lalo Mancini escribió:

Kupak escribió:

Lalo Mancini escribió:Por cierto: por mi parte, se admiten preguntas del tipo "¿hasta qué punto se parece cierto tema de Spirit a cierto tema de Led Zeppelin?"

Dentro de mis posibilidades, estoy encantado de hablar de este tipo de cosas.

Gracias mil, a mí me interesa el tema del "groove", copio pego un post que escribí hace la tira... no me decido si el groove está basado en algún ritmo interno del cerebro humano o está basado en la experiencia. El groove tiene que ver con la repetición, la variación y las expectativas de resolución y lo veo muy importante en la música popular.

Kupak escribió:

Spoiler:

Temazo el de The Breeders. Tiene tres o cuatro cosas, sobretodo rítmicas, que lo distinguen entre los himnos del rock indie.

Creo que este vídeo te va a interesar mucho:

Spoiler:

Grax, me ha flipado el video, te da las claves, el vocabulario básico para situarte. Me ha gustado mucho el experimento del ritmo homogéneo y cómo escuchamos activamente situando un acento, lo veo emparentado con los dibujos de figuras e ilusiones ópticas donde nuestro cerebro añade/completa información. Hoy me lo vuelvo a poner que de una tacada no entra todo, muy agradable de ver además, con esa amabilidad tan británica.

El tema de las Breeders es un gran hit, qué pegadizo, qué espíritu de juego, me encanta.

Muchas gracias LTIpriest (te explicas, te explicas) y Lalo Mancini por vuestras respuestas. En cuanto tenga un rato disponible, le doy un vistazo a esos vídeos que habeis enlazado. Pintan interesantes

Charla interesante de Leonard Bernstein en Harvard, en la que traza paralelismos entre la lingüística y la música, hace una explicación maravillosa de la evolución de la armonía partiendo de la serie armónica, que es un fenómeno producido por la vibración (en este caso, de las cuerdas del piano) que podemos describir mediante ratios.

Y ya de paso, aprovecho para decir que el sistema de afinación que utilizamos comúnmente es artificial, pero a la vez indispensable para entender la riqueza armónica de los últimos tres siglos.

Perry go round escribió:Muchas gracias LTIpriest (te explicas, te explicas) y Lalo Mancini por vuestras respuestas. En cuanto tenga un rato disponible, le doy un vistazo a esos vídeos que habeis enlazado. Pintan interesantes

De nada. Otra cosa que te puede interesar son los dominantes secundarios (dependiendo de qué música quieras hacer, claro). Imagina que quieres ir de C a Am (do mayor a la menor). Un efecto muy común sería hacer un E7 (mi séptima) justo antes de ir al Am.

Pongamos que en su versión original, C dura un compás en 4/4 y Am dura otro compás. Pues lo habitual a la hora de usar un dominante secundario en ese contexto, sería meter el E7 en el cuarto tiempo del primer compás y resolverlo en el Am al inicio del segundo compás.

El uso de esta herramienta depende de gustos y contextos. Si estás en un contexto diatónico (es decir, te mueves en acordes de una misma escala), el uso moderado de dominantes secundarios puede dar mucho énfasis al acorde adonde vas, le da cierta sofisticación y, bien usado, es muy soulful.

Lalo Mancini escribió:

Perry go round escribió:Muchas gracias LTIpriest (te explicas, te explicas) y Lalo Mancini por vuestras respuestas. En cuanto tenga un rato disponible, le doy un vistazo a esos vídeos que habeis enlazado. Pintan interesantes

De nada. Otra cosa que te puede interesar son los dominantes secundarios (dependiendo de qué música quieras hacer, claro). Imagina que quieres ir de C a Am (do mayor a la menor). Un efecto muy común sería hacer un E7 (mi séptima) justo antes de ir al Am.

Pongamos que en su versión original, C dura un compás en 4/4 y Am dura otro compás. Pues lo habitual a la hora de usar un dominante secundario en ese contexto, sería meter el E7 en el cuarto tiempo del primer compás y resolverlo en el Am al inicio del segundo compás.

El uso de esta herramienta depende de gustos y contextos. Si estás en un contexto diatónico (es decir, te mueves en acordes de una misma escala), el uso moderado de dominantes secundarios puede dar mucho énfasis al acorde adonde vas, le da cierta sofisticación y, bien usado, es muy soulful.

Genial, gracias por el consejo. Algo he visto de dominantes secundarios, pero esta posibilidad que comentas no la conocía. Más bien los había visto para saber qué escalas se pueden usar por encima en caso de encontrarme con ellos (las clases de guitarra están más enfocadas a la interpretación que a la composición, aunque a mí, a la vista de mis limitaciones técnicas me interesa más la parte compositiva).
Probaré a ver qué tal, a ver si encaja en alguna de mis "canciones" y queda bien

LTIpriest, cuánto tiempo!

Lalo Mancini escribió:¿No querrás decir reinterpretar el I como un acorde II, y no el V? Sí, eso es muy común. También es muy común en jazz "tonicizar" acordes diatónicos como el IV mediante un II-V.

Si, exacto, me refería al I  Como dices en el jazz es bastante común estas reinterpretaciones. En cuanto tenga un poco más de tiempo me gustaría meterme a explorar más la armonía del jazz moderno (al nivel de las marcianadas) porque luego te ves videos de Jacob Collier y te quedas flipando de lo que controlan.

Jud escribió:LTIpriest, cuánto tiempo!

Me prodigo poco por aqui pero de vez en cuando me vengo a hacer de lector en la sombra
Un abrazo!

Lalo Mancini escribió:

Kupak escribió:

Lalo Mancini escribió:

Stoneheart escribió:Juuuuuuuuud!

Me apasiona el tema aunque sólo sé cuatro cosillas de cuando estudiaba piano y no había llutú...

¿Es la del hilo de música clásica?

Le eché un vistazo hace un tiempo y me pareció un hilo espectacular. Encantado, oye. Por lo que vi, tiene formación clásica. Lo mío es una amalgama. Empecé de pequeño haciendo solfeo y piano clásico y lo dejé. De mayor lo retomé y se podría decir que soy "autodidacta" (es una expresión que hay que saber interpretar, porque generalmente se aprende de alguien).

Una curiosidad: suele haber más énfasis en la técnica en clásico, mientras que en jazz hay más énfasis en la teoría. Es contranatura ser pianista de jazz y no saber qué acordes se están tocando, qué función tienen y que escalas pueden ajustarse a ellos, mientras que es habitual ser pianista de clásico y saber muy poco o nada de eso. Realmente son dos mundos. Incluso en la manera de denominar ciertos acordes.

Muy interesante esa diferencia entre el músico de jazz y el músico de clásica, creo que se corresponde a la diferencia entre creador (o improvisador) e intérprete que ejecuta una partitura. En un caso la cosa se mueve, hay que conocer los mapas y los patrones, en el caso del instrumentista de clásica se sigue un guión estricto.

Viene a ser eso. En música clásica hay una línea más definida que separa al compositor del intérprete. Y, aunque no podemos obviar que la riqueza armónica del jazz, aun con su propia evolución, proviene en grandísima medida de la acumulación de conocimiento adquirido en música clásica durante siglos, lo cierto es que en el mundo académico de la música clásica ese aspecto no es tan fundamental como, por ejemplo, el solfeo.

En cambio, en jazz me atrevería a decir que es el aspecto más vertebrador. Serás mejor músico de jazz cuantos más conocimientos tengas de armonía. En clásica, depende de a qué nos refiramos, porque, como digo, está mucho más marcada la dicotomía creador/intérprete.

Armonía, contrapunto, sí... Llegué a la conclusión hace tiempo de que por eso Mingus me obsesionaba tanto, porque no es un compositor de jazz al uso, se le nota muchísimo sus comienzos clásicos como estudiante de música, cuando se metió al jazz ya tuvo una fuerte influencia también en parte gracias a el propio Ellington que también absorbió bastante clásico. Debussy, Stravinsky, Ives son tres de las influencias mas fuertes suyas.

El topic está bien a modo de curiosidad, a ver si algún día aporto algún vídeo de estilo explicativo que me acuerde haber visto, no he estudiado prácticamente nada formal solo soy curioso de cualquier cosa que tenga que ver con la música.

Lalo Mancini escribió:Dejo aquí el primero de una serie de vídeos para todos aquellos que, aunque no sepáis música desde el punto de vista teórico, tengáis curiosidad por el desarrollo desde un punto de vista histórico (y occidental, hasta la Expo Universal de París finales del XIX y el interés por músicas "exóticas" y exploración modal por parte de los impresionistas).



Los vídeos obviamente están pasados por el tamiz de los gustos de su autor, pero mete pinceladas de teoría asimilables y disfrutables para los no iniciados, y mantiene un equilibrio que creo que satisface tanto a músicos como no músicos.

Son de la BBC y todos los vídeos de este tipo valen mucho la pena. Hay vídeos dedicados a Cole Porter, Leonard Bernstein, The Beatles, Armonía, Melodía, Ritmo y Bajo, por ejemplo.

Los videos de Howard Goodall son muy buenas. Incluso en los de Los Beatles entra en la historia de la música.

Lalo Mancini escribió:Charla interesante de Leonard Bernstein en Harvard, en la que traza paralelismos entre la lingüística y la música, hace una explicación maravillosa de la evolución de la armonía partiendo de la serie armónica, que es un fenómeno producido por la vibración (en este caso, de las cuerdas del piano) que podemos describir mediante ratios.

Y ya de paso, aprovecho para decir que el sistema de afinación que utilizamos comúnmente es artificial, pero a la vez indispensable para entender la riqueza armónica de los últimos tres siglos.

Las tres lecturas del señor Bernstein son una maravilla para cualquiera, es un genio de la divulgación. Esos tres vídeos los he visto y he vuelto a ellos de vez en cuando, guardados en favoritos hace mucho.

La contribución de Quincy Jones en su última entrevista donde menciona la influencia sobre John Coltrane del libro de Nicolas Slonimsky, Thesaurus of Scales and Melodic Patterns : www.vulture.com/2018/02/quincy-jones-in-conversation.html

Is there an example from the work you did, maybe with Michael, which illustrates what you’re talking about ?

Quincy Jones: Yeah, the best example of me trying to feed the musical principles of the past — I’m talking about bebop — is “Baby Be Mine.” [Hums the song’s melody.] That’s Coltrane done in a pop song. Getting the young kids to hear bebop is what I’m talking about. Jazz is at the top of the hierarchy of music because the musicians learned everything they could about music. Every time I used to see Coltrane he’d have Nicolas Slonimsky’s book.


Yeah, he was famously obsessed with the Thesaurus of Scales and Melodic Patterns. That’s the one you’re talking about, right ?

QJ: That’s right. You’re bringing up all the good subjects now! Everything that Coltrane ever played was in that thesaurus. In fact, right near the front of that book, there’s a 12-tone example — it’s “Giant Steps.” Everyone thinks Coltrane wrote that, he didn’t. It’s Slonimsky. That book started all the jazz guys improvising in 12-tone. Coltrane carried that book around till the pages fell off.


When Coltrane started to go far out with the music —

QJ: “Giant Steps.”


Even further out, though, like on Ascension —

QJ: You can’t get further out than 12-tone, and “Giant Steps” is 12-tone.


But when he was playing atonally —

QJ: No, no, no. Even that was heavily influenced by Alban Berg — that’s as far out as you can get.

Axlferrari escribió:La contribución de Quincy Jones en su última entrevista donde menciona la influencia sobre John Coltrane del libro de Nicolas Slonimsky, Thesaurus of Scales and Melodic Patterns : www.vulture.com/2018/02/quincy-jones-in-conversation.html

Is there an example from the work you did, maybe with Michael, which illustrates what you’re talking about ?

Quincy Jones: Yeah, the best example of me trying to feed the musical principles of the past — I’m talking about bebop — is “Baby Be Mine.” [Hums the song’s melody.] That’s Coltrane done in a pop song. Getting the young kids to hear bebop is what I’m talking about. Jazz is at the top of the hierarchy of music because the musicians learned everything they could about music. Every time I used to see Coltrane he’d have Nicolas Slonimsky’s book.


Yeah, he was famously obsessed with the Thesaurus of Scales and Melodic Patterns. That’s the one you’re talking about, right ?

QJ: That’s right. You’re bringing up all the good subjects now! Everything that Coltrane ever played was in that thesaurus. In fact, right near the front of that book, there’s a 12-tone example — it’s “Giant Steps.” Everyone thinks Coltrane wrote that, he didn’t. It’s Slonimsky. That book started all the jazz guys improvising in 12-tone. Coltrane carried that book around till the pages fell off.


When Coltrane started to go far out with the music —

QJ: “Giant Steps.”


Even further out, though, like on Ascension —

QJ: You can’t get further out than 12-tone, and “Giant Steps” is 12-tone.


But when he was playing atonally —

QJ: No, no, no. Even that was heavily influenced by Alban Berg — that’s as far out as you can get.

No termino de ver eso que dice Quincy Jones.

El término 12-tone se usa para referirse a música atonal surgida de la escuela iniciada por Schönberg, comúnmente denominada aquí serialismo (o dodecafonismo).

No se me ocurriría definir "Giant Steps" como un tema atonal. En todo caso, "multitonal". Los distintos centros tonales están claramente definidos, y la singularidad de esa composición es que, en lugar de basar la estructura armónica en el clásico movimiento por cuartas o quintas (viene a ser lo mismo, depende de la perspectiva), se basa en un movimiento por terceras, lo cual, al permitirle dividir la octava en tres partes iguales, hace que al cabo de tres movimientos el centro tonal vuelva a la casilla de salida.

No tengo ni idea de cuál es la aproximación de Coltrane en cuestión de escalas. Es posible que utilizara series. En el serialismo me pierdo. Sé muy poco sobre el tema aparte de la regla de no repetir notas hasta iniciar una nueva serie de 12 notas y algunas ideas matemáticas muy básicas sobre transformaciones, pero el contexto es tan diferente al del serialismo que me choca un poco la insistencia de Quincy Jones en ello. Yo lo que oigo es que Coltrane está tocando sobre los cambios, no sobre un concepto preestablecido de series de 12. Algún día lo estudiaré a fondo. Ese hombre desde luego era un fenómeno y dedicaba mucho tiempo a mejorar como músico.

Lalo Mancini escribió:

Axlferrari escribió:La contribución de Quincy Jones en su última entrevista donde menciona la influencia sobre John Coltrane del libro de Nicolas Slonimsky, Thesaurus of Scales and Melodic Patterns : www.vulture.com/2018/02/quincy-jones-in-conversation.html

Is there an example from the work you did, maybe with Michael, which illustrates what you’re talking about ?

Quincy Jones: Yeah, the best example of me trying to feed the musical principles of the past — I’m talking about bebop — is “Baby Be Mine.” [Hums the song’s melody.] That’s Coltrane done in a pop song. Getting the young kids to hear bebop is what I’m talking about. Jazz is at the top of the hierarchy of music because the musicians learned everything they could about music. Every time I used to see Coltrane he’d have Nicolas Slonimsky’s book.


Yeah, he was famously obsessed with the Thesaurus of Scales and Melodic Patterns. That’s the one you’re talking about, right ?

QJ: That’s right. You’re bringing up all the good subjects now! Everything that Coltrane ever played was in that thesaurus. In fact, right near the front of that book, there’s a 12-tone example — it’s “Giant Steps.” Everyone thinks Coltrane wrote that, he didn’t. It’s Slonimsky. That book started all the jazz guys improvising in 12-tone. Coltrane carried that book around till the pages fell off.


When Coltrane started to go far out with the music —

QJ: “Giant Steps.”


Even further out, though, like on Ascension —

QJ: You can’t get further out than 12-tone, and “Giant Steps” is 12-tone.


But when he was playing atonally —

QJ: No, no, no. Even that was heavily influenced by Alban Berg — that’s as far out as you can get.

No termino de ver eso que dice Quincy Jones.

El término 12-tone se usa comúnmente para referirse a música atonal surgida de la escuela iniciada por Schönberg, comúnmente denominada aquí serialismo (o dodecafonismo).

No se me ocurriría definir "Giant Steps" como un tema atonal. En todo caso, "multitonal". Los distintos centros tonales están claramente definidos, y la singularidad de esa composición es que, en lugar de basar la estructura armónica en el clásico movimiento por cuartas o quintas (viene a ser lo mismo, depende de la perspectiva), se basa en un movimiento por terceras, lo cual, al permitirle dividir la octava en tres partes iguales, hace que al cabo de tres movimientos el centro tonal vuelva a la casilla de salida.

No tengo ni idea de cuál es la aproximación de Coltrane en cuestión de escalas. Es posible que utilizara series. En el serialismo me pierdo. Sé muy poco sobre el tema aparte de la idea de no repetir notas hasta iniciar una nueva serie de 12 notas y algunas ideas matemáticas muy básicas sobre transformaciones, pero el contexto es tan diferente al del serialismo que me choca un poco la insistencia de Quincy Jones en ello. Yo lo que oigo es que Coltrane está tocando sobre los cambios, no sobre un concepto preestablecido de series de 12. Algún día lo estudiaré a fondo. Ese hombre desde luego era un fenómeno y dedicaba mucho tiempo a mejorar como músico.

Como bien dices en Giant Steps se toca sobre los acordes, cada acorde modula y segun el tempo te puede dejar bastante roto pero de dodecafonismo nada, Quincy iría más fumado de lo normal el día de la entrevista

Jud, manifiéstate! El sistema microtonal aka lo que yo decía que existía desde muuuuuucho antes que lo utilizaran King Grizzard. Sólo es una muestra que he encontrado, pero voy a seguir tirando del hilo porque es apasionante.


http://xenharmonic.wikispaces.com/Indian

Un saludo,soy nuevo por aquí,he visto el hilo y no podía evitar entrar.
Intentaré aportar como el resto.
Creo que la teoría es una cosa y la practica otra.
Yo soy autodidacta y he leido bastante.Bajo mi punto de vista lo resuelvo todo a la escala mayor y sus siete grados,a la melodica partiendo desde el cuarto,la harmonica y las simetricas.
De lo que he aprendido es que cuando un musico de jazz improvisa no piensa en escalas si no mas bien en intervalos de los acordes,dejando quizá más la relacción escala-acorde para una armonía no funcional,o un jazz fusion con más compases por acorde.

Kupak escribió:

Lalo Mancini escribió:Por cierto: por mi parte, se admiten preguntas del tipo "¿hasta qué punto se parece cierto tema de Spirit a cierto tema de Led Zeppelin?"

Dentro de mis posibilidades, estoy encantado de hablar de este tipo de cosas.

Gracias mil, a mí me interesa el tema del "groove", copio pego un post que escribí hace la tira... no me decido si el groove está basado en algún ritmo interno del cerebro humano o está basado en la experiencia. El groove tiene que ver con la repetición, la variación y las expectativas de resolución y lo veo muy importante en la música popular.

Kupak escribió:

Spoiler:

Retomo lo del groove para darle una nueva vuelta de tuerca al asunto. Lo bueno del ritmo es que es más intuitivo, y el aspecto teórico, aun pudiendo ser complejo, lo es bastante menos que la armonía a oídos de un neófito. El pulso es algo que se siente de una forma más visceral.

Hace tiempo que vi ese vídeo de Howard Goodall sobre el ritmo, pero recuerdo muy bien ese paralelismo entre la métrica binaria como la más común y antigua en música y el hecho de tener dos pies. Piensa en el ruido de los ejércitos de, yo qué sé, Juego de Tronos, marchando hacia una batalla. Un-dos, un-dos, un-dos, un-dos. Es lo más primario que se nos pudo ocurrir. De ahí, lo más próximo sería doblar de dos a cuatro, que no deja de ser también un compás de la familia binaria. Y ahí empieza el juego e interés rítmico. Dentro de esas, digamos, celdas rítmicas reducibles a cuatro golpes de idéntica duración, es donde encontramos patrones como los de ese bajo y batería del tema Cannonball de The Breeders. Y muchísimas cosas más. El 4/4 es, de largo, el compás que más hemos oído. Pero detrás de ese pulso primario que todos, más o menos, podemos discernir en un 4/4, ese pulso está subdividido, y el fraseo rítmico de la canción nos dirá cómo. Principalmente, la subdivisión suele ser binaria o ternaria (en el caso de Cannonball, binaria).

De hecho, aunque, estilos como el swing y buena parte de la música afrocubana puedan concebirse métricamente de forma distinta, son reducibles a 4/4. Lo que pasa es que son estilos muy definidos y muy marcados por cómo está subdividido el ritmo, por lo que hay que estar muy atentos a lo que ocurre dentro de eso que hemos definido como 4/4 (si así lo hemos definido).

Y, más allá del sinfín de variaciones rítmicas que nos permite un mismo marco (ya sea 4/4, 2/4, 3/4, 5/4, 6/8, 12/8, etc.) mediante el uso de la subdivisión que estos compases nos ofrecen, uno puede decidir, además, que sea el propio marco el que varíe, convirtiéndose en elástico y difícil de predecir. Ya no vamos a definir el contexto rítmico por el hecho de poder dar cuatro palmadas, o tres, o las que sean, de forma cíclica, de modo que los patrones rítmicos encajen en ese ciclo. Ahora el contexto rítmico va a ser cambiante. ¿Y qué mejor para demostrar esto que Barrio Sésamo? ¡No, no estoy de broma! Este tema me tiene obsesionado desde hace muchos años, precisamente por su métrica esquiva.



Si alguno se pierde siguiendo el ritmo e intentando encontrar un molde donde encajar rítmicamente este tema, que no se preocupe: es normal. Para los curiosos, en los comentarios de YouTube algunos ya han dado respuestas.

Lalo Mancini escribió:

Kupak escribió:

Lalo Mancini escribió:Por cierto: por mi parte, se admiten preguntas del tipo "¿hasta qué punto se parece cierto tema de Spirit a cierto tema de Led Zeppelin?"

Dentro de mis posibilidades, estoy encantado de hablar de este tipo de cosas.

Gracias mil, a mí me interesa el tema del "groove", copio pego un post que escribí hace la tira... no me decido si el groove está basado en algún ritmo interno del cerebro humano o está basado en la experiencia. El groove tiene que ver con la repetición, la variación y las expectativas de resolución y lo veo muy importante en la música popular.

Kupak escribió:

Spoiler:

Retomo lo del groove para darle una nueva vuelta de tuerca al asunto. Lo bueno del ritmo es que es más intuitivo, y el aspecto teórico, aun pudiendo ser complejo, lo es bastante menos que la armonía a oídos de un neófito. El pulso es algo que se siente de una forma más visceral.

Hace tiempo que vi ese vídeo de Howard Goodall sobre el ritmo, pero recuerdo muy bien ese paralelismo entre la métrica binaria como la más común y antigua en música y el hecho de tener dos pies. Piensa en el ruido de los ejércitos de, yo qué sé, Juego de Tronos, marchando hacia una batalla. Un-dos, un-dos, un-dos, un-dos. Es lo más primario que se nos pudo ocurrir. De ahí, lo más próximo sería doblar de dos a cuatro, que no deja de ser también un compás de la familia binaria. Y ahí empieza el juego e interés rítmico. Dentro de esas, digamos, celdas rítmicas reducibles a cuatro golpes de idéntica duración, es donde encontramos patrones como los de ese bajo y batería del tema Cannonball de The Breeders. Y muchísimas cosas más. El 4/4 es, de largo, el compás que más hemos oído. Pero detrás de ese pulso primario que todos, más o menos, podemos discernir en un 4/4, ese pulso está subdividido, y el fraseo rítmico de la canción nos dirá cómo. Principalmente, la subdivisión suele ser binaria o ternaria (en el caso de Cannonball, binaria).

De hecho, aunque, estilos como el swing y buena parte de la música afrocubana puedan concebirse métricamente de forma distinta, son reducibles a 4/4. Lo que pasa es que son estilos muy definidos y muy marcados por cómo está subdividido el ritmo, por lo que hay que estar muy atentos a lo que ocurre dentro de eso que hemos definido como 4/4 (si así lo hemos definido).

Y, más allá del sinfín de variaciones rítmicas que nos permite un mismo marco (ya sea 4/4, 2/4, 3/4, 5/4, 6/8, 12/8, etc.) mediante el uso de la subdivisión que estos compases nos ofrecen, uno puede decidir, además, que sea el propio marco el que varíe, convirtiéndose en elástico y difícil de predecir. Ya no vamos a definir el contexto rítmico por el hecho de poder dar cuatro palmadas, o tres, o las que sean, de forma cíclica, de modo que los patrones rítmicos encajen en ese ciclo. Ahora el contexto rítmico va a ser cambiante. ¿Y qué mejor para demostrar esto que Barrio Sésamo? ¡No, no estoy de broma! Este tema me tiene obsesionado desde hace muchos años, precisamente por su métrica esquiva.

Spoiler:

Si alguno se pierde siguiendo el ritmo e intentando encontrar un molde donde encajar rítmicamente este tema, que no se preocupe: es normal. Para los curiosos, en los comentarios de YouTube algunos ya han dado respuestas.

Es muy interesante lo de lo binario, lo tenemos grabado a fuego en las profundidades del cerebro, el andar es binario (derecha/izquierda), el respirar (inspirar/expirar), los latidos del corazón (sístole/diástole)... con sus respectivos acentos, contracción y liberación, un-dos, un-dos. Lo binario además de un ritmo interno que usamos para movernos y coordinar es también una estructura mental, sí/no, blanco/negro, arriba/abajo... a los antropólogos estructuralistas les encantan estas cosas.

Intuitivamente lo que busco en la música rock (que para mí es principalmente rítmica) son variaciones sobre el ritmo básico. Me gustó mucho lo que decía Goodall en el vídeo sobre el ritmo 3/4, es una variación sobre el 2/4 subyacente. Sospecho que esta idea de ritmo "innato" y su variación está en la base del groove.

Yo creo que un ritmo binario no tiene lo que entiendo por groove, un 2/4 invita a la marcha pero el groove tiene marcha y "elongación" (no encuentro la palabra adecuada), el ejemplo primario de lo que quiero decir sería el ritmo de "We will rock you" de Queen:

Pum-pum cha, pum-pum cha, golpe-golpe lanzamiento (o parada, según se mire).

Esta estructura básica de groove es una cosa que me gusta mucho, acentuación/carga y extensión (con todas sus variantes):



Un saludo.

Lalo Mancini escribió: Ahora el contexto rítmico va a ser cambiante. ¿Y qué mejor para demostrar esto que Barrio Sésamo? ¡No, no estoy de broma! Este tema me tiene obsesionado desde hace muchos años, precisamente por su métrica esquiva.



Si alguno se pierde siguiendo el ritmo e intentando encontrar un molde donde encajar rítmicamente este tema, que no se preocupe: es normal. Para los curiosos, en los comentarios de YouTube algunos ya han dado respuestas.

Leo esta:

Head:
7/8, 7/8, 4/4, 6/8, 4/4, 3/8, 4/4, 7/8, 4/4, 9/8 

Mencionemos el nombre del musicólogo y especialista de la cultura hindú Alain Daniélou. Algunos de sus libros están en castellano.

Music has always been esteemed for its power to speak directly to our higher consciousness, a power founded in the purity of simple harmonic ratios. In this book, Alain Danielou traces the development of musical scales and tuning from their origins in both China and India, through their merging in ancient Greece, and on to the development of the Western traditions of modal and polyphonic music. Understanding these potent harmonic relationships offers a way for today's musicians to transcend the limitations of overly rationalistic music by drawing on its metaphysical roots.

Theodor Adorno - Disonancias, Introducción a la sociología de la música

En ese volúmen viene un texto importante que se titula "Sobre el carácter fetichista de la música y la regresión de la escucha". En este texto breve y contundente, donde se mezclan filosofía, sociología y musicología, Adorno resume todas sus tesis sobre el proceso moderno que convierte el arte en simple mercancía. Omnipresente, la música se ha convertido en mercancía que nos priva de la facultad de escuchar. La música, con sus atributos de lo Sublime, se ha convertido en el vehículo de la publicidad. Adorno, alumno de Alban Berg, aboga a favor de una escucha desinteresada y exclusiva.


Texto completo : https://artilleriainmanente.noblogs.org/post/2016/05/07/theodor-w-adorno-sobre-el-caracter-fetichista-de-la-musica-y-la-regresion-de-la-escucha/


"La totalidad de la vida musical del presente está dominada por la forma de la mercancía: se han erradicado los últimos residuos precapitalistas. La música, con todos los atributos de lo Estético y de lo Sublime que le son otorgados generosamente, está en América esencialmente al servicio de los anuncios de las mercancías que han de adquirirse para poder oír música."

Hacía tiempo que tenía en recomendaciones de mi canal de YouTube de este tipo y al final me he decidido a ver qué tal. La verdad es que, a juzgar por este vídeo de introducción a la armonía para todos los públicos, me ha parecido brillante y didáctico. El vídeo en sí no es para músicos, sino todo lo contrario, pero el tipo, a parte de hacerlo ameno, demuestra muy buenos fundamentos para hablar de cosas mucho más complejas.

Lo voy a seguir, a ver qué tal.

Sí, yo tengo visto varios vídeos suyos y el chaval se explica bien y hace las cosas cercanas y comprensibles para los no iniciados. Si te interesa la música así en general pero necesitas explicaciones "para no músicos", es muy recomendable.

Estos los habéis leído?

Lalo Mancini escribió:Hacía tiempo que tenía en recomendaciones de mi canal de YouTube de este tipo y al final me he decidido a ver qué tal. La verdad es que, a juzgar por este vídeo de introducción a la armonía para todos los públicos, me ha parecido brillante y didáctico. El vídeo en sí no es para músicos, sino todo lo contrario, pero el tipo, a parte de hacerlo ameno, demuestra muy buenos fundamentos para hablar de cosas mucho más complejas.

Lo voy a seguir, a ver qué tal.

Jaime Altozano es ese youtuber del que por alguna razón siempre estoy deseando que me diga alguna tontería y que me caiga mal y al final siempre termino pensando que es un tío guay.

Por cierto, he empezado a ver el vídeo de arriba y me da que está ralentizado. O a lo mejor es que siempre veía sus vídeos acelerados, que también puede ser

Adso escribió:Estos los habéis leído?

No. ¿Recomendable? Cada vez me apetece menos leer sobre música, pero estoy dispuesto a hacer excepciones. Parece enfocado a música "culta", lo cual es un arma de doble filo: da mucho más de si en lo musical que hablar de los Rolling Stones, pero luego hay que estar a la altura de aquello de lo que se habla.

Creo que es mejor comentar lo que voy a decir aquí. El otro día escuchaba "Along Came Betty" (qué grande es Benny Golson, por cierto) y llegué a la conclusión de que tengo un fetiche con la armonía que se mueve de forma cromática (obviando el carácter puramente funcional del IIb7-I como sustituto del V-I).

Es esa forma en que se desplaza la armonía, entre sutil (porque la línea de bajo y los voicings que la acompañan se mueven de forma cromática) a la vez que muy llamativa (porque la colección de tonos varía de forma abrupta, a diferencia de una típica modulación). A veces se usa en forma de riff, o en el contexto de un motivo. En algunos casos hay un vaivén que da la máxima amplitud cromática en un solo movimiento (como es el caso de "Along Came Betty").

Temas que vienen a la cabeza con este tipo de recurso y que están entre mis temas favoritos de sus respectivos autores:

"Along Came Betty" (Benny Golson / Art Blakey & The Jazz Messengers)
"Grace" (Jeff Buckley)
"Dancing Days" (Led Zeppelin)
"Interstate Love Song (Stone Temple Pilots)

No sé si entiendo bien a qué te refieres.
Por ejemplo, algo como la segunda vuelta de las estrofas de "Amazing" (Aerosmith), en que la sucesión de acordes desciende de forma cromática desde Fm/G# - C/G - D/F# - F 

Perry go round escribió:No sé si entiendo bien a qué te refieres.
Por ejemplo, algo como la segunda vuelta de las estrofas de "Amazing" (Aerosmith), en que la sucesión de acordes desciende de forma cromática desde Fm/G# - C/G - D/F# - F 

No me refiero exactamente a esto, pero tiene algo en común por el hecho de que la línea de bajo desciende cromáticamente.

Hay intercambios modales que hacen interesante la progresión de "Amazing": tanto G# (del relativo menor) como F# (del modo lidio) están fuera de la tonalidad de C mayor y dan un color extra a la tonalidad sin salir de ella. Algo así como echarle pimienta. Y estos acordes salen precisamente de la bajada cromática del bajo de G# a F. Todas las notas de los acordes que suenan son lo más diatónicas posible (es decir, pertenecientes a la escala de la tonalidad) dentro de lo que permite esa bajada cromática del bajo. Lo que no ocurre es que se desplace la armonía completa o casi completamente, lo cual se nota mucho en los cambios cromáticos a los que me refiero. Tu ejemplo en realidad está tocando Fm (1ª inversión), C (2º inversión), D (1ª inversión) y F, pero lo hace de forma elegante gracias al bajo, que lo empasta todo de forma sutil. A lo que me refería yo era más a colecciones de tonos que viajan cromáticamente en paralelo. Algo como C-C#-C (como es el caso de "Dancing Days, si no recuerdo mal).

Algo que incorpora líneas descendientes de bajo, pero en un contexto diferente al que comentas, son lo que se denominan line clichés. Líneas de bajo descendentes (o ascendentes), a menudo de forma cromática, sobre un mismo acorde. La intro de "Stairway to Heaven" o "Michelle" son dos ejemplos.

El line cliché: